Drum & Percussion Madness # 8
de vendredi 8 mai 12h à dimanche 10 mai 00h !
Chaque année, des percussionnistes et des batteurs venus des quatre coins de la planète vous proposent différentes manières de taper, frotter, grincer, tinter et autres sonorités de l’art de la percussion.
Pour les derniers jours de confinement plusieurs artistes se retrouvent, de vendredi midi à samedi minuit, pour offrir 24h de live internet entrecoupé d’une diffusion de 12h d’archives.
Drum & Percussion Madness #8 c’est le moment de faire le plein de rythmes et de sonorités, d’explorer cet art ancestral qui dépasse les frontières et les langages !
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1ére partie :
2eme partie :
3eme partie :
4eme partie :
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ARTISTES PARTICIPANTS
Chris Corsano (usa)
Chris Corsano (né en 1975, USA) est un batteur basé dans le nord de l’État de New York qui, depuis la fin des années 1990, est actif à l’intersection de l’improvisation collective, du free jazz, de l’avant-rock et de la musique noise. Il a entamé en 1998 un partenariat musical de longue date et très énergique avec le saxophoniste Paul Flaherty.
Un déménagement de l’ouest du Massachusetts au Royaume-Uni en 2005 a conduit Corsano à développer sa musique solo, un amalgame dynamique et spontané de techniques étendues pour la batterie et les instruments non percutants de sa propre fabrication : par exemple, des cordes de violon à archet tendues sur les peaux de batterie, des instruments à anche modifiée et des stocks de métal résonnant.
Le dévouement de Corsano à l’improvisation collective a conduit à des collaborations avec de nombreuses âmes sœurs et à son apparition sur plus de 150 disques et 1000 performances en direct.
Erwan Cornic (Fr)
Yérri-Gaspar Hummel (Fr)
Né en 1982, Yérri-Gaspar Hummel (a.k.a. Kaspår) se spécialise dans une pratique musicale axée autour des notions de situation du son dans l’espace, de lien entre son et culture, de mouvement sonore et d’approche multimédia à travers des concerts, performances et installations variés. Son travail sonore et visuel se manifeste dans plusieurs médias de production. Il explore la musique depuis l’improvisation jusqu’à l’écriture en s’inspirant des objets et du rythme des sons du quotidien. En 2007 et 2012 il est lauréat national d’un projet européen pour la jeunesse et met en place le projet international AMBITUS, axé sur une captation sonore utilisant la technique de l’enregistrement binaural. En 2018 il est lauréat du projet « réinventer l’opéra » de la Réunion des Opéras de France pour son projet OPENGROUND avec les architectes Jakob & MacFarlane.
Benoit Travers (Fr)
http://www.reseaux-artistes.fr/dossiers/benoit-travers
Rodolphe Loubatière (Fr)
Rodolphe Loubatière façonne depuis quelques temps un fascinant travail solo plongeant au coeur du son et de sa matière à partir d’un dispositif extrêmement minimaliste: une caisse-claire acoustique et une pléthore d’objets. Au delà du visuel de ses performances live (comprendre comment tels sons sont générés), l’envie nous vient très vite de simplement se laisser aller, fermer les yeux, écouter et se faire submerger par l’incroyable et infinie richesse des sonorités exposées/exprimées. Une orfèvrique attention au détail et à comment le son généré se doit d’être projeté avec un exemplaire “jeu de stéréo”, voir “de multi-hauts-parleurs”, où l’on se retrouve tout surpris de réaliser que tout cela est effectué sans aucune amplification ou système de diffusion qui soit. Des textures sonores emplissant l’espace, se mouvant magistralement en lui, comme un travail de bande/cut-ups/électro-acoustique, voire par moment carrément électronique et cela toujours et “simplement” à partir d’une “simple” caisse-claire non amplifiée. Et lorsque l’on commence à entendre des sortes de voix humaines non répertoriées, puis, sur le final, des clashs industriels-ferrugineux tourbillonnant dans l’espace autour de nous, des moments de grâce d’une magistrale intensité émouvante et/ou frissonnante sont atteints.
(sixto – Cave12)
http://rodolpheloubatiere.blogspot.com/
Les conférences Bunker & tribu (Fr)
electronic drum kabuki
Kévin Angboly: Batterie / Électroniques / Rituel
Victor Remy: Boites à rythmes / Électroniques / Rituel
Anaïs Bonville: Objets / Percussions / Rituel
Anna Briand: Objets / Percussions / Rituel
Pablo: Objets / Percussions / Rituel
Crée en 2012 à Nancy, LCB ou Les Conférences Bunker est un duo de musique improvisée constitué d’une batterie, d’objets, de boite à rythme, de synthétiseur et d’effets.
Inspiré du théâtre expérimentale japonais, et de la scène noise européenne, leur musique entremêle des instants explosifs très denses aux couleurs percussives brutes et rapides, avec des moments de tensions et d’attentes. Les sons joués se mélangent et fusionnent en un tout, où l’on perd la perception du « qui joue quoi » pour un ensemble homogène et opaque. Une toile se tisse en des matières sonores qui tantôt se répondent, tantôt s’annihilent.
Les musiciens n’hésitent pas à se mettre en scène, via des objets, des voix, des costumes, des déambulations. Par le biais de plusieurs collaborations avec des danseurs (Michiyasu Furutani, Møbius Karoline), LCB dévoile une dimension visuelle dynamique. L’esthétique globale de ce projet se veut au delà du concert traditionnel, renouant avec l’idée du rite, tribale, ancestrale, et l’idée d’un théâtre
total. Là où l’interaction avec le public devient nécessaire.
Crystabel Riley (Uk)
Crystabel Riley travaille avec des motifs sur des peaux – humaines et de tambour.
https://www.instagram.com/xcrswx/?hl=en
Lise-Lotte Norelius (Se)
Percussionniste depuis 25 ans, avec une formation en musique africaine traditionnelle, rock expérimental, musique du monde et improvisation libre. Elle a joué avec différents groupes, notamment le Bitter Funeral Beer Band et Anitas Livs, où elle a développé pendant de nombreuses années un son personnel avec des percussions et des échantillons.
Le désir d’aller plus loin dans la musique électroacoustique s’est développé lors d’un projet sur l’acoustique en 1996, où elle a composé sa première pièce à 8 canaux.
LLN a étudié la composition électroacoustique au Collège royal de Stockholm de 1998 à 2002 et développe depuis lors son travail sur l’électronique en direct et le traitement en temps réel de diverses sources sonores.
Son penchant pour les structures rythmiques, les couches, le caractère sonore et les longues lignes caractérisent sa musique.
Ces dernières années, elle a composé de la musique pour bande, pour musiciens et pour l’électronique en direct, pour le théâtre, la poésie, des œuvres sonores/vidéo et des spectacles de danse.
Elle se produit en tant qu’artiste solo et avec différentes constatations, composée de musiciens, de danseurs/chorégraphes et d’artistes intermédias, dans les domaines de l’eam, de l’art sonore, du bruit, de l’électronique libre improvisée, de la danse et de la performance.
Lê Quan Ninh (Fr)
De formation classique, le percussionniste Lê Quan Ninh mène depuis le début des années 80 une activité musicale partagée entre interprétation de la musique contemporaine et improvisation libre. Il fut un des membres fondateurs du Quatuor Hêlios, ensemble de percussion de 1986 à 2012. Avec la violoncelliste Martine Altenburger, il fonde en 2006 l’ensemble]h[iatus, un ensemble de musique contemporaine dont ses membres sont à la fois interprètes et improvisateurs.
Il est l’un des conseillers artistiques de l’Association Ryoanji et du festival Le Bruit de la Musique qui développent – en Limousin principalement mais aussi bien au-delà – un travail de création, de sensibilisation et de transmission consacrée à la création musicale contemporaine.
En tant qu’improvisateur, il s’est consacré à plusieurs formations régulières avec des artistes comme Daunik Lazro, Michel Doneda, Beñat Achiary, Dominique Regef, Paul Rogers, Frédéric Blondy, Peter Kowald, …) et en a rencontré plus occasionnellement un très grand nombre d’autres.
Lê Quan Ninh entretient également une relation privilégiée avec la danse.
Il fut l’un des membres fondateurs de l’association La Flibuste à Toulouse de 1988 à 2002, un collectif d’improvisateurs de toutes disciplines (musique, danse, cinéma et vidéo expérimentale, performance, etc.) et a participé quelques années au collectif Ouïe/Dire.
Il publie en 2010 aux éditions Mômeludies Improviser librement – Abécédaire d’une expérience dont une édition révisée et augmentée est parue en 2014.
Peter Orins (Fr)
drums, electronics, composition
Après avoir expérimenté l’aléatoire et la transformation électronique (voir Empty Orchestras– 2014), Peter Orins revient cette fois avec sa seule batterie, et quelques objets, bols, bois, coquillages …
En tant qu’improvisateur, il s’intéresse aux textures sonores, à l’ambiguïté des timbres et de leur production, à la saturation des sons ou aux harmoniques propres à chaque instrument : faire entendre à la fois les bruits “microscopiques” des peaux ou des métaux frottés, frappés, préparés, à très faible puissance, et les pressions acoustiques ressenties à fort volume.
Sa démarche fait la part belle au hasard, à l’incontrôlé via les petits accidents, les interactions acoustiques entre les objets, les percussions, les résonances et sympathies dues à certaines fréquences ou vibrations. Soit une certaine forme de fragilité, de maladresse ou d’imprécision, non seulement intégrée mais souhaitée, qui transcende les erreurs en effets forcément inattendus, en une découverte non intentionnelle, qui de ce fait installe un autre rapport au temps.
Sa pratique, influencée notamment par sa rencontre avec les musiques minimalistes et des compositeurs comme Michael Pisaro, James Saunders ou Anthony Pateras, l’a amené à aborder la pièce « Having Never Written A Note For Percussion » de James Tenney (issue des Postal Pieces, écrite en 1971), morceau qui agrège les différentes préoccupations du musicien autour du temps, de la progression, de la dynamique et de la richesse des timbres.
http://www.peterorins.com/solo/audiovideo/
Z’EV (Electronic Drum interprété par Thenoiser) – (Usa/Fr)
RHYTHMAJIK. Publiée à l’origine en 1992 par Temple Press UK, la première édition électronique .doc a été distribuée sur le site original rhythmajik.com de 2000 à 2003.
Dans RHYTHMAJIK, Thenoiser a radicalement reformulé la tradition mystique communément appelée la Qabalha. Elle ne requiert aucune connaissance de la Kabbale, ni ne suppose ou n’exige une connaissance préalable d’aucune des littératures traditionnelles.
Le Rhythmajik n’est pas une question de musique, mais explique l’utilisation du rythme, du son et des proportions pour la transe, la guérison, etc. Il comprend une encyclopédie numérique unique et deux dictionnaires numériques comprenant plus de 5 000 rythmes dont les significations sémantiques englobent à la fois le vocabulaire de la guérison et celui des rituels.
2Batmol (Uk)
Phill Niblock / Katherine Liberovskaya / Julien Ottavi (Usa/Fr)
Katherine Liberovskaya est une artiste vidéo et médiatique basée à Montréal, au Canada, et à New York. Elle travaille principalement dans la vidéo expérimentale depuis la fin des années 80. Au fil des ans, elle a produit de nombreuses vidéos monocanal, des installations vidéo et des performances vidéo qui ont été présentées dans une grande variété de lieux et d’événements artistiques à travers le monde. Depuis quelques années, son travail – en vidéo à canal unique, en installation vidéo et en performance – s’articule principalement autour de collaborations avec des compositeurs de musique nouvelle et des artistes du son, notamment Phill Niblock, Al Margolis/If,Bwana, Hitoshi Kojo, Zanana, Anne Wellmer, David First et David Watson. Depuis 2003, elle est active dans le domaine du mixage vidéo en direct, explorant l’improvisation avec de nombreux artistes de musique nouvelle/audio en direct.
Phill Niblock (né en 1933, USA) est un artiste dont la carrière de cinquante ans s’étend sur la musique, le cinéma et la photographie minimalistes et expérimentales. Depuis 1985, il est directeur d’Experimental Intermedia, une fondation pour la musique d’avant-garde basée à New York avec une antenne à Gand, et conservateur du label XI de la fondation. Connu pour ses bourdons de musique épais et bruyants, le son caractéristique de Niblock est rempli de micro-tons de timbres instrumentaux qui génèrent de nombreuses autres sonorités dans l’espace de représentation. En 2013, sa carrière artistique diversifiée a fait l’objet d’une rétrospective réalisée en partenariat entre Circuit (Centre d’Art Contemporain de Lausanne) et le Musée de l’Elysée. L’année suivante, Niblock a été honoré du prestigieux prix John Cage de la Fondation pour l’art contemporain.*
http://www.experimentalintermedia.org/rantdance/bio.html
Médiactiviste, artiste-chercheur, compositeur/musicien, poète et destructeur de langues, cinéaste expérimental et anarchiste, fondateur et membre d’Apo33, Julien Ottavi est impliqué dans la recherche et le travail de création, combinant art sonore, vidéo en temps réel, nouvelles technologies et performances corporelles. Depuis 1997, il développe un travail de composition utilisant la voix et sa transformation par ordinateur. Développeur actif de programmes audio/visuels avec Puredata, il développe également depuis de nombreuses années une électronique de bricolage (émetteurs radio, oscillateurs, mélangeurs, amplificateurs, émetteurs vidéo…etc) dans une perspective de partage des connaissances sur le développement technologique.
http://apo33.org/noise/doku.php
MPC Electronic Drum Battle (Fr)
à venir
Morihide Sawada (Jp)
… est né au Japon.
Depuis 1980, il a commencé à jouer sa propre musique.
Il a étudié l’ingénierie électrique à l’université.
Cependant, son premier emploi a été rédacteur en chef d’un magazine musical spécialisé dans le rock progressif.
Par la suite, il a travaillé comme ingénieur du son et a parfois joué de la batterie avec différents groupes.
En 2006, SAWADA a joué de la batterie en tant que membre d’un groupe de rock psychédélique.
Depuis lors, il joue parfois en Europe.
Il a commencé à jouer en solo “snare drum solo” depuis septembre 2011.
Il a déjà collaboré avec de nombreux musiciens.
https://www.snaredrumsolo.com/
Wang Beibei (Chn)
La percussionniste Beibei Wang est une multi-percussionniste virtuose de renommée internationale, compositrice ayant reçu une éducation musicale à la fois chinoise et britannique. Beibei a connu une ascension fulgurante dans le monde de la musique classique, recevant des éloges internationaux pour ses projets. Sa musique couvre de nombreux genres, allant du classique au contemporain, en passant par l’expérimental, le traditionnel, l’improvisation, l’électronique, le jazz et la pop. En explorant de nouvelles possibilités et en remettant en question les hypothèses de tous les domaines, elle et ses collaborateurs ont développé des projets défiant les genres, repoussant les limites, y compris la danse-théâtre, l’opéra multimédia, la peinture en direct Body & Sound, l’installation cinématographique, enchantant les publics du monde entier.
Beibei est également une chercheuse active dans le domaine des musiques du monde. Elle voyage dans le monde entier pour étudier et collecter des musiques ethniques, notamment les percussions et les danses traditionnelles ANHUI FLOWER-DRUM LANTERNS en Chine, le tabla indien, les percussions du Moyen-Orient, le bodhran irlandais, les percussions brésiliennes, le taiko japonais, les percussions traditionnelles coréennes.
Burkhard Beins (De)
Burkhard Beins, né en 1964 en Basse-Saxe, vit à Berlin depuis 1995. En tant que compositeur/interprète travaillant dans les domaines de la musique expérimentale et de l’art sonore, il est connu pour son utilisation définitive de la percussion en combinaison avec des objets sonores sélectionnés. En outre, il travaille avec des synthétiseurs analogiques/électroniques en direct et a conçu plusieurs installations sonores.
Depuis la fin des années 1980, il se produit dans des lieux et des festivals de renommée internationale en Europe, en Amérique, en Australie et en Asie.
Parallèlement à son travail de soliste, il est membre des ensembles Polwechsel, Activity Center, The Sealed Knot, Perlonex, Trio Sowari, Sawt Out, Vertigo Transport, Tree, et Splitter Orchester et travaille également avec des compositeurs/musiciens tels que Sven-Åke Johansson, Andrea Neumann, Keith Rowe, Axel Dörner, Chris Abrahams, John Tilbury, ou Charlemagne Palestine.
Seijiro Murayama (Jp)
Percussionniste, Seijiro Murayama travaille en France depuis 1999, après presque 20 ans de parcours musicaux dans le domaine de la musique improvisée. Son travail est focalisé, en particulier, sur la collaboration entre la musique et d’autres activités artistiques : danse (Catherine Diverrès), vidéo (Olivier Gallon), peintures (François Bidault), photos (Purpose.fr), littérature, philosophie (Jean-Luc Nancy, Ray Brassier), performance (Diego Chamy) etc. Cela ne l’empêche pas d’avoir de nombreux projets purement sonores (avec Jean-Luc Guionnet, Pascale Criton, Eric Cordier, Eric La Casa, Axel Dörner, Tim Blechmann, Seymour Wright, Toshimaru Nakamura, Toshiya Tsunoda). Pour lui, l’improvisation est son souci artistique majeur même si, en public, il n’exerce pas toujours cette pratique. Son approche est basée sur l’attention à l’espace et au lieu, à l’énergie du public et notamment à la qualité du silence à des niveaux différents (physique, social, ontologique). Il est en train d’approfondir des réflexions notamment sur la question de l’idiomatique et le non-idiomatique – “Idioms and Idiots” (avec Jean-Luc Guionnet, Mattin, Ray Brassier 2009). En 2010-2012, il est le curateur du festival ” Personal and Collective” à Ljubljana, en Slovénie. Il est lauréat 2016 en résidence à la Villa Kujoyama à Kyoto avec Didier Aschour.
https://urojiise.wixsite.com/seijiromurayama
Tatsuya Nakatani (Usa/Jp)
Tatsuya Nakatani est un percussionniste, compositeur et artiste sonore d’avant-garde. Actif sur la scène internationale depuis les années 1990, Nakatani a publié plus de 80 enregistrements et effectue de nombreuses tournées, donnant plus de 150 concerts par an. Il se concentre principalement sur son travail en solo et sur son projet de grand ensemble, le Nakatani Gong Orchestra. Avec son activité dans les domaines de la nouvelle musique, de l’improvisation et de la musique expérimentale, Nakatani a une longue histoire de collaboration. Il donne des master classes et des conférences dans des universités et des conservatoires de musique du monde entier. Originaire du Japon, il vit dans la ville désertique de Truth or Consequences, au Nouveau-Mexique.
Nakatani crée sa musique distinctive autour de son gong à archet adapté, soutenu par un ensemble de tambours, de cymbales et de bols chantants. En association avec ses archets Kobo sculptés à la main, c’est un instrument qu’il a passé des décennies à développer. Nakatani aborde son projet orchestral (ONG) comme un arrangement de formations de vibrations, incorporées dans des couches chatoyantes de silence et de texture. Dans cette œuvre contemporaine, on peut encore reconnaître le rythme dramatique, l’élégance formelle et l’espace (ma) ressentis dans la musique traditionnelle japonaise.
Teresa Riemann (De)
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Teresa Riemann évolue dans ses différentes formes d’expression entre la chanson, le rock n’ roll et la nouvelle musique atonale, en combinant des formes contradictoires et en créant de nouveaux sons. Elle aime les contrastes parfois inquiétants entre les belles mélodies et les paroles cruellement réalistes, ainsi que le contraste entre son programme de piano solo et le jeu de batterie plus bruyant.
https://teresariemann.bandcamp.com/
René Le Borgne (Fr)
Reconnu et encensé par le milieu, René Le borgne, Médaille d’or et 1er prix interrégional de Seine Saint Denis (Batterie), travaille entre autre en collaboration avec la compagnie de théâtre « Les crieurs de Nuit ». Fondateur et directeur artistique de l’ensemble « Pagaille », il est également directeur artistique de l’ensemble vocal « Piccolo ». Ce touche à tout passe du free rock à la chanson française, de l’improvisation au théâtre musical, de la musique contemporaine aux installations sonores, de la vibration au son, du chuchotement au silence. Il collabore à de nombreux projets et à de nombreuses rencontres artistiques alliant cette pluralité. Véritable enchanteur, il transporte le public avec ses sonorités étonnantes, un chercheur de sons au service de la musique, des musiques.
Bob Bellerue (Usa)
Bob Bellerue est un conservateur de son/vidéo, compositeur électronique, musicien expérimental et technicien créatif basé à Brooklyn NY. Au cours des 33 dernières années, il a participé à la présentation et à la création d’un large éventail d’activités sonores expérimentales et extrêmes : art sonore, musique expérimentale / abstraite, ensembles de percussions junk metal, gamelan balinais, partitions sonores pour la danse / le théâtre / la vidéo / la performance, et installations sonores / vidéo.
https://bobbellerue.net
Jenny Pickett (Fr/Uk)
Jenny Pickett réalise des œuvres collectives, à la fois dans la musique contemporaine, les arts visuels, numériques et sonores. Elle crée des installations in situ ainsi que des sculptures sonores et des performances à partir d’enregistrements qu’elle réalise sur place pour inviter à reconsidérer les impressions que nous avons de notre environnement. Développe une approche artistique singulière utilisant la vidéo interactive, sonore, l’installation et la sculpture, à partir d’outils open source, ainsi que du code et de l’électronique DIY (« do it yourself ») en combinaison avec des objets trouvés et autres bricolages.
http://jennypickett.art/doku.php
Kasper T. Toeplitz (Fr)
Compositeur et musicien (ordinateur, basse électrique), œuvrant par-delà les distinctions trop communément admises entre musique contemporaine – la « grande » – et musique dite non académique – en l’espèce la musique électronique, ou noise music. Travaille donc autant avec les grandes institutions d’État (GMEM, GRM, IRCAM, Radio France) qu’avec des musiciens expérimentaux ou inclassables tels Eliane Radigue, Zbigniew Karkowski, Dror Feiler, Tetsuo Furudate, Phill Niblock, Z’ev ou Art Zoyd.
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Avec le soutien des Pépinières Européennes de Création, de la Ville de Nantes dans le cadre du dispositif de carte blanche de la Fabrique.
