Audioblast 11 – Transmission du dimanche

britney25

britney25, complètement incomplet et grosse tendance lo-fi DIY. en 1990 mon exploration de la musique en autodidacte et depuis les projets n’ont cessé de s’enchainés.

traversée de scierie – manipulation d’instruments une lame de cagette dans chaque main. si un arbre peut émmetre, peut-être qu’il reçois voir entend!? interprétation de ce que pourrais capter et entendre un morceau de bois “de l’arbre à la cagette”.

Maeline li

Maeline Li est une artiste née en 1994 et vivant en Ile-de-France.

Après avoir étudié les Arts Appliqués à L’école Duperré et fait son premier cycle de licence en Art à La HEAR, elle obtient son DNSEP avec les félicitations à l’ENSA Bourges en 2019. Elle participe, à la suite de son diplôme, à une année de recherches post-diplôme au sein du programme ‘‘Offshore’’ à Shanghai. Issue d’une famille de circassiens chinois arrivés en Europe dans les années 40, son travail est régi par des
questions d’héritage culturel et de territoire, par le prisme de la distance et des migrations.

Ses recherches ont été montrées dans divers lieux en Ile-de-France, en Alsace, à Bourges, Shanghai, Marseille, Bâle et Freiburg.

The Unknown, c’est à propos de ce que l’on ne peut pas voir, de ce qu’il pourrait se trouver aux bords de l’horizon. On ne peut pas vraiment être sûr de ce qu’il s’y passe, juste spéculer sur ce que l’on connaît déjà. La brume est une furtive possibilité d’un endroit autre, pendant un instant. Comme un nuage, un ensemble de micro-particules d’eau, qui ont traversé tout espaces sans frontières ni murs. Toutes ces particules pourraient être à la fois partout et nul part, touchées par tant de sols différents, portant en elles toutes les particularités de chacun. L’eau est l’ultime élément migrant, nomade en son essence. Portant tant de voix dans son flux, toujours la même, cependant à chaque fois subtilement différente. La voix du sol comme des particules, non pas une mais plusieurs, toutes arrêtées dans l’espace-temps, saisies d’un moment clef de leur progressions.
Ce bourdonnement qui fait lieu traces d’un dernier séjour dans l’espace investi.

Alfredo Cerrito

Alfredo Cerrito est un saxophoniste, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre italien. Après avoir terminé ses études universitaires en saxophone, il a étudié la composition traditionnelle avec M°C. Perugini et M°G. Panariello et il est actuellement élève du M°E. Martusciello, dans la classe de composition électroacoustique du Conservatoire de Naples. En janvier 2009, il fonde, avec la pianiste Anna Lisa Giordano, le “Duo 8 e 15”, avec lequel il remporte divers concours nationaux et internationaux de musique de chambre. Il s’est produit dans toute l’Italie – dans des salles prestigieuses telles que, par exemple, la Société de concert de Milan (Auditorium Gaber), l’Auditorium “Monteverdi” de Mantoue, le Palazzo Monsignani à Imola, l'”Accademia Filarmonica Romana” et dans de nombreux autres lieux – et à l’étranger (Suisse, France, Irak, Finlande, Allemagne, Grèce, Slovénie, Portugal, Malte, Autriche, Vietnam). Interprète très actif dans le domaine de la musique contemporaine, il a réalisé plusieurs premières mondiales. Il a remporté le premier prix de divers concours nationaux et internationaux de saxophone, dont ceux de jazz. En 2022 son œuvre acousmatique « S.T.U.P.M. a été sélectionné pour être joué à « InSonora 12 » à Madrid. En 2021 débute une collaboration artistique avec l’artiste Andrea Greco : il s’occupera de la bande sonore de diverses expositions, à commencer par l’exposition “Limbica” en mai 2022. Depuis 2017 il est chef principal de l'”Orchestra Filarmonica del Golfo” et collabore avec l’Orchestre National du Vietnam, l’Orchestre “Il Clavicembalo Verde” et l’Orchestre “Classicaviva”. Il collabore régulièrement avec le chanteur Marco Castoldi (alias Morgan) et, addict à l’activité de concert, il enseigne à l’Académie de Musique “Accademia Musicale del Basso Lazio” basée à Minturno (Italie).

ICANOM
La composition part de l’idée que chaque matériau de la nature, y compris l’être humain, est soumis à des transformations continues, changeant constamment sans perdre ses qualités intrinsèques, ces caractéristiques qui le rendent unique. La composition est entièrement basée sur un échantillon sonore générateur et tous les autres matériaux musicaux (textures et impulsions) sont obtenus par manipulation sonore. Dans l’arche générale, plusieurs fenêtres électro-acoustiques s’ouvrent ; ces fenêtres mettent en valeur les qualités sonores et spectro-morphologiques de la matière sonore de différentes manières, en touchant tous les différents degrés de subrogation, créant ainsi différents univers sonores. Dans la macrostructure, la composition peut être considérée comme une grande texture qui correspond métaphoriquement à l’arc vital (naissance – phase de croissance – déclin – mort).

Daria Baiocchi

DARIA a obtenu une maîtrise en piano, en composition classique et en musique électronique. Elle est également titulaire d’un diplôme en “Littérature classique” de l’Université de Bologne (Italie). Ses compositions ont été jouées dans des théâtres et des salles de concert à travers le monde et diffusées par plusieurs stations de radio (Radio nationale hollandaise, France, Portugal, Royaume-Uni, États-Unis, etc.). En tant que compositrice de musique et compositrice pour l’électronique, elle a remporté des sélections nationales et internationales en Argentine, aux Pays-Bas, en Irlande, en Allemagne, en Italie, en Angleterre, en Hongrie, aux États-Unis, en Bulgarie, en Pologne, en Lituanie, au Canada, en Corée du Sud, au Mexique, à Chypre, en Suède, en France et en Espagne. , Grèce, Chine, Australie, Slovénie. En tant que compositrice pour l’art vidéo, les œuvres mettant en vedette sa musique ont remporté des expositions en Inde, Croatie, Suède, Mexique, Grèce, Pologne, Suisse, Colombie, Angleterre, États-Unis, Belgique, Bulgarie, Argentine, Portugal, Espagne, Irlande, Australie, Mexique et ont été diffusé par International ART TV.

Elle est actuellement professeur principal d’harmonie et d’analyse musicale au Fermo Conservatorium. Daria est la directrice du Sound Art Museum Online à Ascoli Piceno et, en tant que bénévole, directrice artistique et conférencière, en tant que bénévole, de l’émission de radio « Classica et… » en FM dans le centre-est de l’Italie : nouveaux interprètes, compositeurs de musique contemporaine et compositeurs de conception sonore.

GOGLEMAPS
Cette pièce se trouve dans Googlemaps à Bletchley Park, bien connue sous le nom de X Station, où Turing travaillait.

— Dédié à Alan Turing et à tous les génies qui ont sauvé des vies —
Alan Turing avait un esprit brillant qui a changé l’histoire. Ce type n’était pas comme tout le monde, car il vivait des mathématiques. Sa grande passion l’a conduit à de grandes découvertes et à combiner les calculs avec le modèle de l’esprit. Ses études l’ont amené à devenir le père de l’informatique et son test est devenu la base de la création de l’intelligence artificielle. En latin Codex signifiait une table à écrire cirée alors qu’aujourd’hui cela signifie un ensemble de symboles ou de signes, qui ont la même origine et une fonction déjà déterminée. Pour utiliser un code, il faut une série de règles qui établissent une combinaison permettant la création d’un message cohérent. Lorsqu’un message est transmis, il doit être déchiffré en mettant en œuvre un code commun et de cette façon, les deux parties pourront pleinement communiquer. L’expéditeur et le destinataire connaissent et doivent utiliser le même code.

Benoit Bories

Benoit Bories est créateur sonore. Il a produit des créations sonores pour France Culture, Arte radio, la RTBF, la RTS, la Deutschland Radio Kultur et ABC. Son activité de création sonore vient à l’origine du documentaire sonore. Elle s’est transformée peu à peu avec le temps vers des productions plus hybrides alliant des formes empruntant à l’art sonore, la composition acousmatique et au field recording tout en en conservant cette volonté de documenter des questions sociétales. Son regard de documentariste le pousse toujours à faire le récit de l’intime pour tenter de faire résonner un universel. Il enseigne la création sonore documentaire à Phonurgia Nova, l’ENSAV Toulouse, au Master 2 Art et com d’études théâtrales de l’Université Jean-Jaurès et intervient auprès de plusieurs workshops
ponctuels.

Akari Komura

Originaire du Japon, le compositeur-chanteur Akari Komura (né en 1996) a grandi à Tokyo et a passé son adolescence à Jakarta, en Indonésie. Dès son plus jeune âge, elle a été impliquée dans les arts de la scène en jouant du piano, en chantant et en dansant le ballet moderne. Son intérêt pour la pratique somatique et la conscience incarnée est au cœur de son processus créatif. Akari imagine sa partition comme une invitation pour les interprètes à s’engager de manière contemplative dans l’écoute et la création sonore. Elle s’intéresse à la conservation d’un espace de performance participatif qui invite une communauté de musiciens et d’auditeurs pour une expérience collective consciente, méditative et de guérison. L’exploration artistique d’Akari est orientée vers l’intensification de la perception physiologique et psychologique en harmonie avec les paysages sonores écologiques. Les œuvres de Pauline Oliveros, Yoko Ono et Hildegard Westerkamp sont particulièrement influentes dans sa pratique artistique. L’étendue du travail d’Akari couvre le multimédia/électronique, la musique vocale, l’ensemble de chambre et les collaborations interdisciplinaires avec des danseurs, des artistes visuels et des architectes.

Breathe with the Wind est une installation sonore/cérémonie sonore in situ qui explore la dimension ultime de l’intimité avec la terre. Le travail s’engage à organiser un espace contemplatif pour que les participants trouvent une prise de conscience ou une relation plus étroite avec la nature. En particulier, l’élément air est symbolique pour l’œuvre à travers la perception des vents enveloppant nos respirations inspirées et expirées comme un air collectif.

Chelidon Frame

Chelidon Frame est un projet de musique électronique expérimentale qui travaille principalement avec des enregistrements de terrain, des interférences radio, des guitares et des sons traités.

Ses installations sont basées sur l’expérience et suggèrent un dialogue entre le lieu (à la fois virtuel et physique) et les sons proposés, visant à délivrer un message de la manière la plus simple mais la plus efficace. L’utilisation du code, de l’analyse des données et des sons basés sur les données permet de revivre l’information. Dans ses travaux en studio et ses sets live, différentes couches de sons – guitares, synthétiseurs et instruments sur mesure – s’accumulent pour créer de nouvelles
paysages sonores.

L’Asynchronous Drone Orchestra est un projet collaboratif à distance où différents musiciens électroniques sont invités à partager un (ou plusieurs) son de dix minutes – qu’il s’agisse d’un drone, d’un enregistrement sur le terrain ou d’un paysage sonore plus élaboré – en suivant un ensemble minimal de règles. Tous ces fragments et bruits sont ensuite mélangés et combinés dans un morceau long et cohérent, résultant en un paysage sonore choral où le résultat est plus grand que la somme de ses parties. La première itération a été présentée lors du Drone Day 2021, et la seconde en Since 2022 fait partie du programme bimestriel de Camp Radio.

Nicolas Melmann

Nicolás Melmann (né en 1981 en Argentine) explore les aspects sociaux et poétiques du son dans ses projets transdisciplinaires. Melmann expérimente la technologie, crée des récits linéaires et non linéaires et travaille sur différents médias. Ses compositions s’inspirent de la musique électroacoustique et de la musique d’ensemble générative, mettant en vedette des expériences avec des capteurs et des hydrophones, la sonification de données, des cartographies sonores, des installations, des interviews et des enregistrements sur le terrain. Melmann utilise le son comme matière première pour son travail et, en tant que musicien solo, crée des pièces sonores et des installations utilisant l’électronique, des instruments non conventionnels, des enregistrements sur le terrain et la création parlée. Il a également produit de la musique et du son pour des jeux vidéo, la télévision, le cinéma, la danse et le théâtre. Actif depuis plus de 16 ans, Melmann a sorti six albums et tourné en Asie, en Europe et en Amérique du Nord et du Sud. Il a remporté des prix et récompenses dont le Virtual Partnership (Goethe Institute), Beques Barcelona, (Espagne), National Arts Foundation (Argentine), la Biennale de Kosice, Asylum Arts (New York), et a participé à des projets éducatifs et des ateliers autour de la nouvelle musique. et art sonore au Garrison Institute (New York), ZKM (Allemagne), CMMAS (Mexique), Fundación Telefónica (Pérou). En cours de route, Melmann a partagé la scène avec des artistes tels que Nicola Cruz, Robert Lippok, Lydia Lunch, Max Cooper, Richard Devine et bien d’autres.

La fenêtre sonore est une pièce sonore interactive – visuellement réactive hébergée sur une page Web, les fréquences d’une composition électroacoustique sont interprétées dans un paysage cinématographique en temps réel. Créée pendant le confinement, la pièce s’inspire du concept de «musique d’ameublement» d’Erik Satie, le dispositif audiovisuel aide à concevoir notre propre paysage sonore à l’intérieur comme un moyen de connecter le son au monde extérieur, à concevoir notre propre paysage sonore à l’intérieur, nous invitant à se détendre, devenir fonctionnel aux activités d’intérieur, telles que la lecture, l’écriture, le travail sur ordinateur, le yoga, etc. Combinant des sons et des textures musicales générés avec des instruments et de l’électronique, les différentes couches de son, faibles et délicates, peuvent être gérées via un mélangeur virtuel permettant les utilisateurs peuvent réaliser leurs propres combinaisons et compositions sonores, créer leurs propres paysages sonores, disposer d’outils de manipulation audio (delays, reverbs) les utilisateurs peuvent intervenir sur la palette sonore musicale.

Anastasia Clarke

b. 1987, New York
Les performances de musique électronique incarnée en direct d’Anastasia Clarke considèrent le rôle du musicien en tant que guérisseur, activateur et sonificateur de l’inouï et de l’invisible. Travaillant en tant qu’interprète-compositeur et artiste-ingénieur, ils utilisent des technologies musicales créatives telles que des contrôleurs, des instruments sur mesure et des systèmes d’interprétation, ainsi que des approches compositionnelles éclairées par un travail intuitif, pour assembler et dissoudre les récits en de nouvelles formes et histoires ineffables. .

Au cours des dernières années, Anastasia a réalisé des paysages sonores en direct conçus pour l’application stratégique des modalités d’écoute. Réunissant la synthèse, l’enregistrement sur le terrain et la conception sonore au niveau de l’échantillon en tant qu’artefacts d’attention et d’intention, leurs performances de durée invitent les auditeurs à faire l’expérience de changements dans leurs propres sensations de lieu, d’échelle, d’espace et de temps. Au mépris de toute notion d ‘«écoute facile», Anastasia cisèle des textures ambiantes épaisses dans des formations de personnages en utilisant une poignée d’activations bruyantes et de sceaux sonores idiosyncratiques. À la base de chaque performance se trouve une confiance inébranlable dans l’improvisation et la prise de risques, utilisée pour révéler les lignes de faille changeantes qui existent dans nos systèmes esthétiques et technologiques, nos facultés de perception et nos structures sociétales.

Domenico De Simone

Professeur de Composition Electroacoustique au Conservatoire de Musique “Umberto Giordano” de Foggia. Diplômé en piano, jazz, composition et musique électronique. Il est également diplômé en cours avancé de composition à l’Accademia Nazionale de Santa Cecilia sous la direction d’Azio Corghi et en musique électronique – 2e niveau académique, avec les meilleures notes et distinctions, au Conservatoire de Santa Cecilia sous la direction de Giorgio Nottoli. Il approfondit ses connaissances en fréquentant l’Accademia Chigiana de Sienne, où il obtient le diplôme de mérite en musique de film d’Ennio Morricone et le diplôme de mérite en composition de Franco Donatoni. En 1995, 1996 et 1997, il a été récompensé par le S.I.A.E. Ses compositions ont été interprétées dans plus d’une centaine de concerts en Italie et à l’étranger (Chine, Lettonie, Canada, Chili, Argentine, Roumanie, Malte, USA, Irlande, Royaume-Uni, Espagne, Autriche, Brésil, etc.) et diffusées par RADIOTRE.

Trace Bloom (aka Brian Alexander)

Brian Alexander est un artiste transdisciplinaire dont les œuvres sont spécifiquement axées sur les formes de vie invisibles, inouïes et sous-utilisées parmi nous. Sa pratique implique le développement d’outils, de processus et de programmes uniques afin de réaliser l’espace au-delà de nos limites collectives en termes de bande passante perceptuelle. Croyant à l’adage “un poisson ne peut pas vous parler de l’eau”, les œuvres d’Alexander pointent vers les écarts entre l’intention humaine et la compréhension en comblant les signatures plus profondes de la Terre et en nous reconnectant tous dans une expérience ancrée et immersive.
Sa carrière professionnelle de 34 ans s’étend sur des projets artistiques publics et commerciaux, notamment la sculpture, les installations, le son et la performance, ainsi que le développement de produits et de processus techniques. Il détient actuellement 28 brevets avec des travaux permanents au MOMA NY, Cooper Hewitt et Smithsonian.

En 2011, il a établi Trace Bloom en tant que domaine général d’exploration et de recherche artistique pour toutes les formes de médias dans une approche immersive et totalement inclusive. Distillé comme définition, Trace Bloom est ; décrire vaguement les phénomènes perçus, développer les outils et les conditions d’une expression émergente et permettre à cette expression de se développer sans encombre jusqu’à un point de résolution perçue ou de compréhension partagée.