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ensemble_du_cours_ici

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ensemble_du_cours_ici [2018/12/08 11:15]
julien [Architecture et numérique, au delà de l'architecte et de son ordinateur]
ensemble_du_cours_ici [2021/02/21 15:51] (current)
julien [audio art, radio et art sonore, plusieurs façons d'envisager le son dans sa relation plastique]
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-https://​www.youtube.com/​embed/​c3eN4xwADTI +https://​www.youtube.com/​watch?​v=-b7jO60JQ6o
  
 https://​www.youtube.com/​embed/​aLitnrAd9jg https://​www.youtube.com/​embed/​aLitnrAd9jg
 +
 +https://​www.youtube.com/​watch?​v=DX29Vewnzyw (poem for table and chair)
  
  
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-Yasunao Tone+**Yasunao Tone**
  
  
 +Yasunao Tone est surtout connu pour son travail musical, dont une grande partie repose sur des techniques non conventionnelles. Tone a commencé à manipuler des disques compacts pour obtenir des sons mutilés de manière unique au début des années 1980. Pour son album de 1997, Solo for Wounded CD , il a endommagé des CD audio et a utilisé les informations qu'un lecteur de CD a pu extraire de ces disques pour créer de nouvelles pièces. Les œuvres basées sur un lecteur de CD de Tone emploient un processus de «dé-contrôle» de la lecture de l'​appareil afin qu'il sélectionne au hasard des fragments d'un ensemble de matériaux sonores. Tone a déclaré que la fonctionnalité de correction d'​erreurs des lecteurs de CD modernes a rendu difficile l'​utilisation de cette technique et, pour cette raison, il continue d'​utiliser des équipements plus anciens. Pour sa collaboration avec Florian Hecker , Palimpseste , il convertit les poèmes japonais Man'​yōshū en son. Ton Yasunao - https://​fr.qaz.wiki/​wiki/​Yasunao_Tone
  
 +https://​vimeo.com/​447009066 (radio music - 1963)
  
-Brandon Labelle+https://​www.youtube.com/​embed/​PhYmPtdFvnY
  
  
  
 +**Brandon Labelle**
  
-Christina Kukish+Brandon LaBelle est musicien, artiste, écrivain, théoricien,​ commissaire d'​exposition et éditeur (fondateur de Errant Bodies). Son travail, basé sur l'​installation sonore, la performance,​ l'​enregistrement,​ l'​utilisation de sons recyclés et l'​environnement dans lequel ils sont diffusés, nourrit une réflexion théorique sur les dimensions sociales de l'​écoute et sur la manière dont le son, en de multiples variations, agit sur l'​espace public. Il établit des connections entre différents médias en introduisant du vocabulaire vidéo, architectural ou sculptural dans un champ plus large de problématiques rhétoriques et spatiales.
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​sENAk2O31ZY (contact mic et objets)
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​adeO5bg-M-A
  
-Alvin Lucier 
  
 +**Christina Kukish**
  
  
 +Christina Kubisch est aujourd’hui un des personnages les plus incontournables du sound art et de l’installation sonore, à l’instar d’un Steve Roden ou, plus loin dans le temps, d’un Bill Fontana.
  
-Milan Knížák+Depuis 1976, elle réalise alternativement des installations et des promenades sonores. Ces dernières utilisent la technologie de la transmission sans fil pour plonger le baladeur, muni d’un casque, dans un univers sonore fictionnel qui se superpose au paysage sonore naturel de l’endroit et répond aux stimuli visuels du lieu. Le visiteur en se déplaçant passe ainsi d’un choix sonore prédéfini à un autre et peut mixer plusieurs sources en se tenant entre plusieurs points d’émission.
  
 +Christina Kubisch établit de la sorte un tissu de réponses à l’environnement,​ un jeu de correspondances ou de contrastes entre le son et le visuel qui désorientent le spectateur qui n’entend pas forcément ce qu’il voit. Ses plus récentes promenades, intitulées Electric Walks, qu’elle présente depuis 2003, poussent encore plus loin la recherche de l’invisible en se basant sur les interférences électromagnétiques des appareils (appareillage domestique ou « mobilier urbain ») que nous côtoyons chaque jour sans le voir ou le savoir. Là encore, des écouteurs spécialement conçus dans ce but sont mis à disposition des promeneurs qui suivent un itinéraire repéré à l’avance par Kubisch comme comportant des sources intéressantes de perturbations (antennes antivol, éclairage clignotant, transformateurs électriques,​ etc.) Le résultat sonore est quelquefois proche d’une certaine forme de techno ultra-minimaliste,​ ou d’expérimentation électronique.
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​aS8tydDKQxY (piéce sonore)
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​jM5cDFDEPA4 (conférence EN)
  
-Kim Cascone+https://​www.youtube.com/​embed/​CooHIuLAod0 (casque électromagnétique)
  
  
  
-Chris Watson+**Janet Cardiff**
  
  
 +Janet Cardiff réalise des promenades audio : elle fabrique, par l'​intermédiaire du son, des espaces fictifs qui déséquilibrent le spectateur, quant à sa perception du réel.
  
-Hildegard Westerkamp+Dès 1989, Janet Cardiff a introduit une dimension sonore dans ses instal­lations,​ inaugurant une forme d’art personnelle : la promenade audio. le visiteur est invité à prendre un discman, mettre les écouteurs et “marcher dans les pas de l’artiste”,​ dont la voix le guide. “Tournez à gauche, dit-elle dans les Gairloch Gardens d’Oakville (A Large Slow River, 2000, Canada), et descendez les marches.” La description est précise, et la voix, enregistrée en stéréo, paraît si proche qu’on sent une présence alors qu’on est seul. Cardiff enregistre les sons perceptibles sur le parcours qu’elle choisit ; outre sa description,​ elle y ajoute des sons que les lieux lui inspirent : un hélicoptère,​ une aria. Ses pièces font autant appel aux perceptions qu’à l’esprit : elles bousculent la réalité au point de ne plus percevoir la différence entre cette réalité et ce que la voix raconte. Des mots résonnent derrière soi, mais on ne trouve personne lorsqu’on se retourne ; des mouettes criaillent et on les cherche des yeux dans le ciel. Face à des rochers battus par les flots, on entend les vraies vagues en même temps que celles qui sont enregistrées. Tissant des histoires sur fond d’ubiquité,​ combinant fiction et réalité, Cardiff nous attire dans un monde parallèle.
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​CKBxLX7bZZQ (sound installation)
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​SN5aT-e0Imk
  
  
  
-Maryanne Amacher+**Alvin Lucier**
  
 +Alvin Lucier, né le 14 mai 1931 à Nashua, New Hampshire, est un compositeur américain.
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 +Il est considéré comme l'un des compositeurs de musique contemporaine les plus influents de sa génération. Ses œuvres font appel à la mise en situation de phénomènes naturels liés à des principes de physique acoustique ou de psychoacoustique. Durant les années 1970, Lucier crée plusieurs compositions faisant appel à des dispositifs rarement utilisés en musique et habituellement utilisés pour la recherche scientifique. De cette manière, Lucier pousse le développement sur langage musical traditionnel tout en prônant une méthode d'​écoute nouvelle pour l'​auditeur,​ qui doit se concentrer sur l'​observation de phénomènes acoustiques extrêmement subtils. ​
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​fAxHlLK3Oyk (I am sitting in a room)
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​bIPU2ynqy2Y (brain waves performance)
  
-Steve Roden+https://​www.youtube.com/​embed/​rgy1E4YFef8 (music on long thin wire)
  
  
  
 +**Milan Knížák**
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 +Dans les années 1960, il est des créateurs du groupe d’art contemporain "​AKTUAL"​ et l’un des initiateurs du mouvement Fluxus dans son pays. né le 19 avril 1940 (80 ans) à Plzeň, est un artiste tchèque, performeur, sculpteur, musicien, créateur d’installation,​ dissident, graphiste, pédagogue et théoricien de l’art. ​
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​88ONydyRX7c (Broken music 1979)
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​bD26fNgAfPA (Broken music)
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 +**Kim Cascone**
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 +Kim Cascone est un compositeur américain de musiques électroniques. Après des études de musiques électroniques au Berklee College of Music à Boston durant lesquelles il s’initie aux musiques expérimentales de John Cage, Kim Cascone commence à travailler dans l’industrie du film, comme assistant musical de David Lynch sur les tournages de Twin Peaks et de Wild at Heart. Il entame ensuite sa carrière solo de musicien au milieu des années quatre-vingt et fonde son propre label Silent Records. Après avoir travaillé quelques années comme ingénieur du son dans la compagnie de Thomas Dolby, Headspace, il fonde au milieu des années quatre-vingt-dix un nouveau label, Anechoic, sur lequel sortent désormais ses principaux morceaux. Kim Cascone est connu pour ses productions en ambient music. Ce genre est communément appelé ainsi depuis les formulations de Brian Eno, pour caractériser une musique d’ambiance ou de fond et sans lignes de basse. Il est également le cofondateur d’une organisation appelée Microsound, qui a pour vocation d’inciter et de développer discussions et réflexions sur les musiques digitales, l’usage de logiciels dans la production musicale et les laptop performances. L’article traduit ici et paru initialement dans le Journal of Computer Music témoigne de ce croisement d’identités propre à Kim Cascone : à la fois artiste, ingénieur du son et théoricien.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​tUuYFfQFDoo
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​aegMZ0KulII
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 +**Chris Watson**
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 +Le parcours atypique de cet Anglais sexagénaire l'a mené des expérimentations du groupe post-punk Cabaret Voltaire à l'​enregistrement de terrain. Reconnu dans le monde entier, son travail est audible dans de nombreux documentaires naturalistes produits par la BBC, en collaboration avec le célèbre réalisateur David Attenborough,​ par exemple dans la série Terres de glace.
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 +Chris Watson a contribué à faire connaître le field recording auprès d'un public non initié en faisant éditer ses disques, dès les années 1990, par Touch. Identifiable par les superbes pochettes de disques signées Jon Wozencroft, le label londonien incarne avec éclat la notion de soundwriting,​ avec des musiciens tels que Biosphere, Fennesz ou Philip Jeck. Les premiers albums de Watson, Stepping into the Dark (1996) et Outside the Circle of Fire (1998), font se succéder les prises de sons les plus diverses, collectées aux quatre coins du monde, sans autre lien apparent que la mise en scène du monde naturel et une qualité technique proprement ahurissante. La rivière Mara au Kenya saisie au crépuscule,​ le croassement de corvidés dans une contrée isolée du Nord de l'​Angleterre,​ parmi bien d'​autres,​ constituent des expériences d'​écoute uniques et offrent des portraits sonores de lieux intenses et sensibles.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​IJBAd4pmuFk (winter music)
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​vNUGemt1tew (animals sounds)
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 +**Hildegard Westerkamp**
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 +Hildegard Westerkamp. Artiste spécialisée en manipulations audio-sonores,​ compositrice,​ professeure (Osnabrück,​ Allemagne de l'​Ouest,​ 8 avril 1946, naturalisée canadienne 1975). B.Mus. (Colombie-Britannique) 1972, M.A. (Simon Fraser) 1988. Elle étudie la flûte et le piano au Conservatoire de Fribourg, Allemagne de l'​Ouest (1966-1968). En 1968, elle se fixe à Vancouver et s'​inscrit au département de musique de l'​Université de la Colombie-Britannique. En 1972, elle épouse le poète et dramaturge canadien Norbert Ruebsaat. ​
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​J5Aa-JskUY0
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​hg96nU6ltLk
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 +**Maryanne Amacher**
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 +Amacher est né à Kane, en Pennsylvanie , d'une infirmière américaine et d'un ouvrier suisse du train de marchandises. En tant qu'​enfant unique, elle a grandi en jouant du piano. Amacher a quitté Kane pour assister à l' Université de Pennsylvanie sur une bourse complète où elle a reçu un BFA en 1964. Pendant qu'​elle y a étudié la composition avec George Rochberg et Karlheinz Stockhausen . Elle a également étudié la composition à Salzbourg, en Autriche, et à Dartington, en Angleterre. Par la suite, elle a fait des études supérieures en acoustique et en informatique à l' Université de l'​Illinois à Urbana-Champaign . En résidence à l' Université de Buffalo , en 1967, elle crée City Links: Buffalo , une pièce de 28 heures utilisant 5 microphones dans différentes parties de la ville, diffusée en direct par la station de radio WBFO . Il y avait 21 autres pièces dans la série "City Links",​ et plus d'​informations peuvent être trouvées dans la brochure d'une exposition sur la série de Ludlow 38 à New York (disponible sur leur site Web). Une caractéristique commune était l'​utilisation de lignes téléphoniques dédiées de qualité radio FM (plage de 0 à 15 000 Hz) pour connecter les environnements sonores de différents sites dans le même espace, un exemple très précoce de ce que l'on appelle maintenant la " performance télématique " qui a bien précédé exemples plus célèbres de Max Neuhaus , entre autres. (Neuhaus lui-même a participé à l'​œuvre originale de 1967 à Buffalo.) ​
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​k8VuZ_dz5W4
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 +https://​vimeo.com/​75705159 (sound characters 2)
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 +**Rolf Julius**
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 +Artiste proche du mouvement Fluxus depuis les années 70, Rolf Julius est à la fois sculpteur et musicien. C’est d’ailleurs ainsi qu’il définit son travail : “Je crée un espace musical avec mes images. Avec ma musique, je crée un espace imagé. Les images et la musique sont équivalentes. Elles rencontrent l’esprit du regardeur et de l’auditeur et dans son intérieur, il en résulte quelque chose de nouveau.”*
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​GETVbJabvzE
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​1SmKR906BSk
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 +**Steve Roden**
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 +A la croisée des chemins entre la musique, la peinture et la sculpture, le travail de Steve Roden dégage une sensation de quiétude et de poésie synesthésique similaire à celle éprouvée à la contemplation d'un paysage où le bruissement des feuilles complète harmonieusement le léger balancement des herbes.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​Dd6tmwa01tQ
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​EilhNINwcQc
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 +**Ellen Fullman**
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 +Fullman a étudié la sculpture au Kansas City Art Institute avant de déménager à New York au début des années 1980. À Kansas City, elle a créé et joué dans une jupe de production sonore de métal amplifié et a écrit des chansons d'art qu'​elle a enregistrées à New York pour un petit label de cassettes. En 1981, elle a commencé à développer le Long String Instrument dans son studio de Brooklyn, composé de dizaines de cordes métalliques jouées avec des doigts enduits de colophane et produisant un chœur de partiels en forme d'​orgue. Cet instrument a été comparé à l'​expérience de se tenir à l'​intérieur d'un énorme piano à queue. Elle a beaucoup enregistré avec cet instrument inhabituel et a collaboré avec des personnalités telles que la compositrice Pauline Oliveros , la chorégraphe Deborah Hay , le Kronos Quartet et Frances-Marie Uitti . En 1985, elle est en résidence à l' Apollohuis aux Pays-Bas, où elle enregistre The Long String Instrument (LP) pour Apollo Records.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​zTr_ijfwxAI (performance long thin wire)
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​rVR5VrejChs
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 +**Christof Migone**
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 +Christof Migone est un artiste multidisciplinaire. Il détient une maîtrise en arts visuels du Nova Scotia College of Art and Design de Halifax et a présenté ses performances à de nombreuses occasions, tant en Europe qu’au Canada. On a pu voir ses installations dans des divers lieux, dont le Centre des arts de Banff, le Art Lab et les galeries Eyelevel, 101 et Forest City. Ses textes ont été publiés dans les revues Musicworks, Semiotext, Radio Rethink, Cahier Folie Culture et Drama Review. Ses principaux collaborateurs sont les Tammy Forsythe, Gregory Whitehead, Michel F. Côté et Alexandre St-Onge. Il a été directeur musical de CKUT FM de 88 à 94, a travaillé au sein de l’association de création et de diffusion sonore Avatar à Québec et habite présentement New York.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​rdakgA9VXSo (performance)
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​1uR7qbe63_s
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 +**Eliane Radigue**
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 +Éliane Radigue, née le 24 janvier 1932, est une compositrice française de musique électronique. Son travail a commencé dans les années 1950 mais ses premières créations sont présentées à la fin des années 1960. Jusqu'​en 2000 son oeuvre a été élaborée sur un simple synthétiseur,​ le système modulaire ARP 2500. Depuis 2002 elle a composé essentiellement des pièces instrumentales.
 +Elle naît et grandit à Paris dans une famille de petits commercants aux Halles de Paris, puis se marie avec l'​artiste peintre Arman avec qui elle vit et élève leur trois enfants à Nice jusqu'​en 1967, puis à Paris. Elle connaissait le piano et s'​était déjà essayée à la composition lorsqu'​elle entend pour la première fois, à la radio, un morceau d'un des pères de la musique concrète, Pierre Schaeffer. Peu après, dans les années 1950, elle fait sa rencontre, devient l'une de ses élèves et travaille de façon périodique au Studio d'​Essai lors de séjours à Paris. Au cours des années 1960, elle est assistante de Pierre Henry, période où elle crée certains des sons qui apparaissent dans son ?uvre. Comme son travail gagnait en maturité, Schaeffer et Henry estimèrent que son usage particulier du micro, avec de longues boucles de larsen enregistrées,​ s'​éloignait de leurs idéaux, mais sa pratique singulière restait toutefois encore apparentée à leurs méthodes.
 +
 +https://​www.youtube.com/​embed/​PnbGirPTgF0
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​1RrsiGmLp_E
  
  
-Christof Migone 
  
  
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 Compositeur,​ mathématicien,​ ingénieur, architecte, Iannis Xenakis est une personnalité autodidacte aux multiples compétences,​ avec pour seule formation celle de l’École polytechnique d’Athènes. Réfugié politique en France à partir de 1947, il débute sa carrière en tant qu’ingénieur béton chez Le Corbusier, qui restera son unique employeur. Il s’y forme à l’architecture,​ tout en développant ses schèmes musicaux, la réalisation de l’un influençant celle de l’autre, jusqu’à la fabrication d’une œuvre totale personnelle,​ atypique et innovante. Compositeur,​ mathématicien,​ ingénieur, architecte, Iannis Xenakis est une personnalité autodidacte aux multiples compétences,​ avec pour seule formation celle de l’École polytechnique d’Athènes. Réfugié politique en France à partir de 1947, il débute sa carrière en tant qu’ingénieur béton chez Le Corbusier, qui restera son unique employeur. Il s’y forme à l’architecture,​ tout en développant ses schèmes musicaux, la réalisation de l’un influençant celle de l’autre, jusqu’à la fabrication d’une œuvre totale personnelle,​ atypique et innovante.
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 https://​www.youtube.com/​embed/​SZazYFchLRI https://​www.youtube.com/​embed/​SZazYFchLRI
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 www.youtube.com/​embed/​J6zEs29CvEQ www.youtube.com/​embed/​J6zEs29CvEQ
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 **Vito Acconci** **Vito Acconci**
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 +Vito Acconci devient très vite un artiste pluridisciplinaire. Il mélange art conceptuel, art corporel, process art, performance,​ cinéma, video et installation et enfin architecture avec la création de son agence : acconci studio en 1988.
 +Bien que les domaines artistiques de l’artiste soient vastes, son oeuvre tourne sensiblement autour d’une problématique commune : l’espace. En effet en lisant les interviews de Vito Acconci on comprend que ce qui le pousse a expérimenter de nouveaux moyens d’expressions c’est l’appréhension de l’espace. Ce qui compte dans le travail de Vito Acconci c’est de réduire les distances, c’est l’espace dans lequel on se trouve, l’interaction qui existe entre l’oeuvre et l’espace, l’espace et le spectateur, l’oeuvre et le spectateur, le spectateur et l’artiste. ​
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 +{{:​marques_deposees_vito_acconci_20150107212107_20150107215803_20170911160140_20170911160950.jpg?​600|}}
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 +http://​acconci.com/​
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 +Dans les écrits de Vito Acconci se qui nous marque au premier abord c’est la forme, l’artiste a sa propre conception de l’art poétique et de l’espace de la page. En effet il s’agit ici aussi d’espace a parcourir, le fond doit prendre place, doit se modeler sur la forme. La poésie acquiert ici un caractère visuel et non seulement conceptuel.
 +
 +« J’ai commence par envisager la page a peu près comme l’équivalent d’un objet minimal. Je me posais des questions : comment aller
 +    de la marge de gauche a la marge de droite ? (…) La page était une étendue a traverser. »
 +
 +« avec le mouvement du langage dans l’espace performatif clos sur lui même dela page imprimée »
 +
 +{{:​acconci_poembig_vignette_544_544_20170911155033_20170911160046.gif?​600|}}
 +
 +Vito Acconci et l'art vidéo - 
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 +"Me spécialiser dans une technique reviendrait à m'​assigner un terrain, un terrain duquel il faudrait que je me déterre moi-même constamment à mesure qu'une technique se substituerait à une autre alors au lieu de me tourner vers le "​terrain",​ je détourne mon attention et deviens "​instrument",​ je me concentre sur moi même en tant qu'​instrument agissant sur n'​importe quel terrain disponible."​
 +
 +https://​www.youtube.com/​embed/​BIZOIoklszI
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 +Le projet vidéo Body Building in the Great Northwest, réalisé en 1975 et The Red Tapes en 1976 ou il y expose ses réflexions sur les
 +espaces marquent la fin de la carrière audiovisuelle de l’artiste. Malgré la reconnaissance des spectateurs et l’engouement des exposants, Vito Acconci demeure insatisfait par les limites matérielles de ses œuvres et cherche désormais un nouveau médium.
 +Il souligne les « limites devenues insupportables pour lui, du lieu qui l’accueille comme celles du bord de l’écran. La "​page"​ est devenue à nouveau trop petite »
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 +« l’architecture a commence avec la performance comme structure qui entoure le corps »
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 +En 1988 il fonde Acconci Studio, un cabinet de travail réunissant artistes et architectes qui étudient le rapport de l’architecture domestique à l’environnement. Les projets de ce studio énoncent une nouvelle conception de l'​espace,​ des bâtiments, des parcs, de la circulation des personnes. Lui et son équipe s'​intéressent à tout ce qui se présente, de la conception d'une cuillère à celle d'une ville.
 +Après une carrière où Vito Acconci se sera essayé a différentes formes d’arts et moyens d’expressions toujours dans le but de cerner dans sa globalité l’espace la création d’Acconci Studio se présente comme la suite logique de ce projet. En effet pour Vito Acconci l’architecture se présente une fois encore comme un espace a traverser :
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 + « L’année dernière a Mariendad est le meilleur film que j’ai vu sur l’architecture,​ il n’y est question que d’espace a traverser exactement comme dans l’écriture »
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 +{{:​designer-acconci-tease_drm9ox.jpeg?​600|}}
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 +Si l’artiste peut faire se parallèle c’est que l’écrivain,​ le poète doit convaincre son lecteur d’aller d’une marge a l’autre, de la première a dernière page, dans le film le personnage principale essaye de convaincre une femme qu’ils ont une relation dans le passé, il essaye de l’amener la ou il voudrait qu’elle soit, il tente de la convaincre qu’elle se trouve la ou il a décidé qu’elle se trouverait. Dans l’architecture de Vito Acconci il n’y a que très peu de statique, il s’agit dans la majeur partie du temps d’espace de passage, de transition, des ponts, des tunnels, des bancs..
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 +http://​www.artwiki.fr/​wakka.php?​wiki=VITOACCONCI
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 **Stanza** **Stanza**
  
 +Stanza est un artiste anglais, qui vit et travaille à Londres. Ses œuvres incluent des installation,​ du Netart, des installations,​ des performance,​ et de la peinture. Il est spécialisé dans les arts technologiques,​ utilisent les réseaux sociaux, les écrans tactiles, les captations environnementales et les œuvres interactifs. Il pousse le spectateur à interagir et à participer à ses œuvres.
  
 +{{:​stanza-the-emergent-city.jpg?​600|}}
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 +L'​oeuvre de Stanza explore les villes et les possibilités des villes. L'​expérience et la perception de l'​architecture,​ et des environnements connectés. On retrouve ainsi le paysage urbain, les notions de surveillance,​ d'​intimité et d'​aliénation dans son œuvre. Son œuvre interrogent les réseaux et les sources d'​informations. Il crée un nouvel espace visuel, rend sensoriel ce qui n'est qu'une abstraction. Il utilise les notions de la communication pour renvoyer à des sensations, à des émotions quotidiennes et qui changent nos vies et notre société. Est-ce que le spectateur en a conscience, ou a même le contrôle sur ces nouveautés technologiques ? 
 +
 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​14500983"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​14500983">&#​039;​Capacities&#​039;​ by Stanza.</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​stanza1">​Stanza</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
  
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 **Art Orienté Objet** **Art Orienté Objet**
  
 +Marion Laval-Jeantet,​ artiste, et Benoît Mangin, metteur en œuvre, mettent l’écologie,​ comprise comme la science interrogeant nos conditions d’existence,​ au cœur de leur démarche artistique. Depuis 1991, ils travaillent l'​installation,​ la performance,​ la vidéo et la photographie autour du thème du Vivant. Ce qui les conduit à aborder aussi bien la biologie, que les sciences du comportement (psychologie et éthologie, d'où la forte présence animalière dans leur travail), l'​écologie ou l'​ethnologie dans des créations poétiques et inattendues,​ autant politiques que visionnaires.
  
 +Leur souci écologique les porte à produire des œuvres où le caractère artisanal est revendiqué et le recyclage fréquent, leur octroyant un caractère de bricolage de haute volée. Pour eux, la notion de recyclage va jusqu'​au recyclage des idées éprouvées,​ qu'ils ont définies comme ready-thought dès le début de leur collaboration
  
 +https://​www.youtube.com/​embed/​yx_E4DUWXbE
  
 +Marion Laval-Jeantet,​ artiste, et Benoît Mangin, metteur en œuvre, mettent l’écologie,​ comprise comme la science interrogeant nos conditions d’existence,​ au cœur de leur démarche artistique. Depuis 1991, ils travaillent l'​installation,​ la performance,​ la vidéo et la photographie autour du thème du Vivant. Ce qui les conduit à aborder aussi bien la biologie, que les sciences du comportement (psychologie et éthologie, d'où la forte présence animalière dans leur travail), l'​écologie ou l'​ethnologie dans des créations poétiques et inattendues,​ autant politiques que visionnaires.
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 +{{:​artorienteobjet800x600_61270.jpg?​600|}}
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 +Leur soucis écologique les porte à produire des œuvres où le caractère artisanal est revendiqué et le recyclage fréquent, leur octroyant un caractère de bricolage de haute volée. Pour eux, la notion de recyclage va jusqu'​au recyclage des idées éprouvées,​ qu'ils ont définies comme ready-thought dès le début de leur collaboration
  
  
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 +Helen Evans et Heiko Hansen forment le duo HeHe. Utilisant un langage fondé sur la lumière, l’image et le son, ils mènent une recherche sur les relations entre les individus et leur environnement architectural et urbain. Pour HeHe, la ville est une source infinie de possibilités,​ non seulement pour construire l’avenir mais aussi pour exercer son sens critique, pour reprogrammer les bâtiments et les infrastructures,​ pour rendre l’invisible visible et pour créer de nouvelles significations tissant un récit pour les habitants. Les projets de HeHe explorent les possibilités de corrélations entre les phénomènes physiques, chimiques et environnementaux. Sous ce pragmatisme technologique transparaît en filigrane une approche poétique et sociale plus large.
  
 +{{:​ivry_mg_0446_w-nuagevert.jpg?​600|}}
  
 +Le projet Nuage Vert porté par le collectif HeHe consiste en la projection d’une image laser sur le contour fluctuant d’un nuage de fumée d’usine pour former un panache de lumière verte. Ce projet a été réalisé à Helsinki, en 2008, sur les émissions de la centrale électrique Salmisaari puis, en 2010, sur les fumées émises par l’incinérateur de Saint-Ouen, à proximité de Paris.
  
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​17350218"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​17350218">​Nuage Vert &​agrave;​ Ivry</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user431988">​HeHe</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
 +Le Nuage Vert présente une forme simple et spectaculaire,​ un signe flottant gracieusement au-dessus de la ville. A l’extrémité du cycle création-destruction,​ là où la collectivité brûle ce qui n’a pas pu être recyclé autrement, il y a encore du sens et de la beauté. Pendant l’événement,​ les émissions de vapeur deviennent à la fois une sculpture environnementale et un signe d’alerte à tous, nous invitant à moins consommer et à moins jeter. ​ L’œuvre joue un rôle de révélateur,​ elle fait prendre conscience au public de son implication dans ce cycle et invite chacun à participer au processus
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 +{{:​hehe_cat_mg_4475_globe_flatw2.jpg?​600|}}
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 +Domestic catastrophe Nº3: La Planète Laboratoire
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 +An aquarium containing a domestic globe, a motor to turn the globe and electronic valve or drip feed which releases a fluoresceine tracing dye onto the sphere. As the sphere turns, the green dye wraps itself around the sphere, enveloping it in what appears to be a thin gas or atmosphere that surrounds the planet Earth. The difference between emissions and atmosphere, the ‘man-influenced’ and the ‘natural’ climate cannot be easily defined. ​
 +
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​34997384"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​34997384">​Domestic Catastrophies n&​ordm;​3:​ La Plan&​egrave;​te en Laboratoire</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user431988">​HeHe</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
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 **Robertina Šebjanič** **Robertina Šebjanič**
  
 +{{:​robertinahumalga-2.jpg?​600|}}
  
 +Au sein de la communauté internationale assez resserrée des biohackers, spécialistes de la communication interespèces et autres biobricoleurs,​ l’artiste slovène Robertina Šebjanič s’est fait connaître comme « l’artiste des méduses » ou « la femme sous l’eau ».
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​215171764"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​215171764">​Aquatocene / Subaquatic quest for serenity</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​robertina">​Robertina Sebjanic</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
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 +Qu’on en juge. Pour Humalga – vers le spore humain, réalisé en collaboration avec l’autre bio-artiste slovène Špela Petrič, on se doute que son obsession confessée pour la longévité l’a inspirée, comme le fait que certaines espèces de méduses sont « immortelles ». Non sans audace, Šebjanič et Petrič proposent « un véhicule post-technologique d’ingénierie biotechnologique qui pourrait faciliter la survie à long terme d’une espèce humaine et de sa culture en évolution ». Pour cet hybride de projet artistique et de recherche scientifique,​ elles ont réuni des experts pour discuter des implications de la création d’une forme de vie transgénique humain/​algue.
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 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​126787314"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​126787314">​Aurelia 1+Hz / proto viva sonification</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​robertina">​Robertina Sebjanic</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
 +« En travaillant sur une preuve de concept, nous avons introduit les résultats pratiques dans les observations philosophiques. Humalga, avec son cadre conceptuel, était très large, ce qui donnait de points d’entrée très forts pour comprendre la relation entre humain et plante. Un changement possible comme la longévité n’est pas seulement une notion de science-fiction,​ elle existe déjà dans notre société. Evidemment, grâce aux médicaments plus efficaces, plus de personnes vivent plus longtemps et prospèrent davantage, enfin, ceux qui en ont les moyens. Nous habitons toujours un monde où notre qualité de vie dépend de nos latitude et longitude géographiques,​ culturelles,​ sociales. En même temps, l’extension de la vie humaine serait un moment décisif entre les générations. La différence d’âge entre les parents et les enfants augmente sans cesse et la prolongation de la vie nous donnerait plus de temps aussi. Ce dont l’humanité a certainement besoin en ce qui concerne le voyage dans l’espace : jusqu’ici,​ les voyages à l’échelle de notre système solaire nécessitent encore une génération,​ et semblent donc impossibles. Cependant, cela pourrait changer dans les décennies futures. De nouvelles connaissances sont toujours en attente d’être acquises, pendant que de nouveaux concepts et idées doivent être acceptés et repensés à partir de perspectives critiques. Un état de curiosité constante est une des forces primordiales qui propulsent mon travail. »
  
 +{{:​robertinahumalga-ok.jpg?​600|}}
  
  
 **Orlan** **Orlan**
  
 +Née en 19474, Orlan est une artiste s'​exprimant à travers différents supports : peinture, sculpture, installations,​ performance,​ photographie,​ images numériques,​ biotechnologies. C'est une des artistes françaises de l'art corporel. Son œuvre se situe dans divers contextes provocateurs,​ légitimée par son engagement personnel.
  
 +{{:​orlancorps-pares-corps-transformes.jpg?​600|}}
  
 +En 1978, elle crée le Symposium international de la Performance,​ à Lyon, qu'​elle anime jusqu'​en 1982. Son manifeste de « l'art charnel » (Carnal Art Manifesto) est suivi d'une série d'​opérations chirurgicales - performances qu'​elle réalise entre 1990 et 1993. Avec cette série, le corps de l'​artiste devient un lieu de débat public. Ces opérations chirurgicales - performances ont été largement médiatisées et ont provoqué une vive polémique, bien qu'​elles ne représentent qu'une infime partie de son œuvre intégrale.
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​jN1teX2xzh0
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 +De même Orlan, de façon peut-être plus charnelle, modifie-t-elle son corps comme un objet soumis au couple désir-technologie.
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 +Après avoir élaboré une image idéale de la femme composée de fragments de femmes à la beauté emblématique,​ Orlan subit opération sur opération, pour faire correspondre son corps à une image virtuelle, et composite. « Au tout début de cette performance,​ pour arriver à convaincre un chirurgien (car je n'en trouvais pas) j'ai construit mon autoportrait en mixant, hybridant, à l'aide d'un ordinateur des représentations de déesses de la mythologie grecque choisies non pas pour les canons de beauté qu'​elles sont sensées (vues de loin !) représenter mais bien pour leurs comportements,​ pour leurs histoires. ​
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 +{{:​orlan2.jpg?​600|}}
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 +Tandis qu’elle est opérée en urgence pour une grossesse extra-utérine,​ ORLAN réussit à en produire et garder des images (Urgence G.E.U., 1979). En 1990, elle réalise Première Opération Chirurgicale-Performance. Au fil de neuf opérations chirurgicales-performances (1990-1993),​ le visage d’ORLAN est remodelé. Elle se fait notamment ajouter deux bosses de chaque côté du front. Aux augmentations physiques viennent s’ajouter les Self-Hybridations virtuelles. Son image devient objet de combinatoires avec différents standards de beauté catégorisés (renaissants italiens, précolombiens,​ africains, amérindiens). Soit une exploration contemporaine du jugement de goût, de la valeur beauté et ses discours associés, à l’aune des technologies numériques. Avec le projet Manteau d’Arlequin (2007), l’auto-hybridation se déplace au niveau cellulaire. Ce n’est plus l’image mais l’ADN, en tant que producteur d’images, qui est appelé à muter. Et sur le versant virtuel de ce Bio Art, ORLAN explore la réalité augmentée (exposition « Masques, Pekin Opera, Facing designs & Réalité augmentée », 2014).
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 +<iframe width="​560"​ height="​315"​ src="​https://​www.youtube.com/​embed/​-pKwTbcMVkw"​ frameborder="​0"​ allow="​accelerometer;​ autoplay; encrypted-media;​ gyroscope; picture-in-picture"​ allowfullscreen></​iframe>​
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 **Gérard Hauray** **Gérard Hauray**
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 +Gérard Hauray est artiste essayiste. Il expose, participe et organise des conférences,​ séminaires sur l’art, la science et l’écoumène. Il n’y a pas de moment favorable pour une conciliation des pratiques paysagères et des mystères scientifiques qui les fondent. Gérard Hauray, mêle, au cours de ses recherches, l’écoute de ces échos terrestres qui nous préoccupent et ces découvertes de laboratoires qui voudraient nous alarmer. Développant un étonnant travail de dévoilement des paysages qu’inconsciemment nous portons et semons sur notre passage, lors de nos déplacements,​ paysages qui nous ont fondés, paysages qui nous fondent. Questionnement - révélation plutôt que démonstration,​ il encourage le croisement des regards sur notre monde du vivant et décloisonne les disciplines scientifiques,​ artistiques et philosophiques. Démarche méticuleuse - patiemment tissée - dont ses expositions et colloques rendent compte. Dans son travail, Gérard Hauray adopte une approche artistique de l’idée.
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 +Il n’y a pas de moment favorable pour une conciliation des pratiques paysagères et des mystères scientifiques qui les fondent. Gérard Hauray, mêle, au cours de ses recherches, l’écoute de ces échos terrestres qui nous préoccupent et ces découvertes de laboratoires qui voudraient nous alarmer. Développant un étonnant travail de dévoilement des paysages qu’inconsciemment nous portons et semons sur notre passage, lors de nos déplacements,​ paysages qui nous ont fondés, paysages qui nous fondent. Questionnement - révélation plutôt que démonstration,​ il encourage le croisement des regards sur notre monde du vivant et décloisonne les disciplines scientifiques,​ artistiques et philo-
 +sophiques. Démarche méticuleuse - patiemment tissée - dont ses expositions et colloques rendent compte.
 +Dans son travail, Gérard Hauray adopte une approche artistique de l’idée d’écoumène (espaces habitables sur terre) et d’un examen des relations entre les êtres humains, la nature, les paysages et leur symbiose.
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​38872941"​ width="​640"​ height="​372"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​38872941">​ricochets</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​gerardhauray">​G&​eacute;​rard Hauray</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
  
  
-__peu de documentation,​ à creuser.__ 
  
  
 **George Gessert** **George Gessert**
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 + ​Ancien peintre devenu jardinier, George Gessert présente ses plantes issues de techniques pointues d’hybridation végétale lors de l’exposition Art biotech à Nantes.
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 +{{:​gessert1.png?​600|}}
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 +"Je travaille avec des pincettes, c’est très low-tech vous savez"​. Le peintre américain apporte une touche résolument végétale à l’exposition qui se tient au Lieu Unique jusqu’au 4 mai 2003. Il a d’abord choisi de montrer des photographies de streptocarpus qu’il a obtenus par hybridations multiples. "​Certaines de ces plantes ont été utilisées comme simples reproducteurs avant d’être éliminées,​ d’autres ont été conservées,​ commente George Gessert. Généralement,​ mes choix ont davantage été dictés par le contour des pétales que par leur couleur."​
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 +Pour une autre série de photographies,​ George Gessert a choisi des iris, comme lors de sa première exposition, en 1985 : Une autre série de photographies. "Je les ai obtenus par croisements successifs. J’ai ainsi créé et baptisé une douzaine de variétés, officiellement enregistrées aux Etats-Unis."​ L’une d’elles porte le nom de Galapagos. Une autre celui d’Eduardo Kac, un artiste américain qui expose lui aussi au Lieu Unique, à deux pas de George Gessert.
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 +{{:​gessert_art-life_overview2.jpg?​600|}}
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 +Enfin, l’artiste a disposé au sol quelques dizaines de Coleus d’Indonésie en pots, en une scène intitulée "​évolution"​. "Ces plantes d’apparence anodine représentent des siècles de choix humains. Elles sont petites, grandes, jolies, esthétiques,​ étranges ou mourantes. J’y vois une image de notre monde : des variations."​
 +Gessert ​ s’interroge ​ sur  la  sélection ​ végétale, ​ miroir ​ d’une ​ société ​ tentée ​ de trier  le  vivant. ​ Dans  une  sorte  de  « darwinisme ​ inversé »,  ses  goûts ​ personnels conduisent ​ à  la  sélection ​ de  variétés ​ inesthétiques ou  difformes, ​ loin  des  effets ​ de mode.  ​
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 **Joe Davis** ​ **Joe Davis** ​
  
 +Artiste américain implante dans des micro-organismes des dessins ou des textes écrits directement avec l'​alphabet du vivant, les quatre paires de base (ATGC) formant l'ADN des cellules. Ses premières expositions ont été fraîchement accueillies par des activistes : " Des écologistes et des fermiers bio assimilaient mes œuvres au problème de la mondialisation. On se serait cru aux manifs contre l'OMC à Seattle ! " Le rêve de Davis n'a pourtant pas grand chose à voir avec celui des multinationales du grain modifié : " Je veux reconstruire le jardin perdu. La vie, c'est le code. Bien sûr, on n'a pas trouvé le gène qui nous rend humain ni celui de l'​espoir,​ mais on peut ajouter des éléments pour retrouver l'​harmonie,​ la connaissance parfaite ".
  
 +{{:​bioartjoedavis1.jpg?​600|}}
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 +Joe Davis a encodé des textes en prenant les quatre bases A, T, G, C de l’ADN pour  réimplanter ceci dans des organismes vivants. Il a encodé par exemple un fragment génétique codant une phrase d’Héraclite –  » Le dieu dont l’oracle est à Delphes ne révèle pas, ne cache pas mais il signifie ​  » dans le gène d’une drosophile (gène responsable de la vue chez cette mouche, cette modification n’altère pas le phénotype de l’animal).
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 +https://​www.youtube.com/​embed/​7GkZt00Qics
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 +**Mycelium Network Society**
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 +«Faisons pousser des champignons en 2017 ! Nous lançons la Mycelium Network Society à la Transmediale 2017, un réseau d’imagination underground nourri de champignons,​ de spores, de culture, de cuisine, de radio, de transmissions,​ d’installations,​ d’ateliers et de performances. Invoquez à nouveau le champignon magique, faites l’amour jusqu’à l’aube pour parvenir à la conscience fongique collective.
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 +{{:​myceliumnetworksociety0.jpeg?​600|}}
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 +Nous cherchons le mycélium pour nous guider dans les ruines, pour construire des tactiques politiques, pour nous sauver de la crise économique. Devenons immortels grâce au réseau mycélium crypté de la résistance. Devenons fabuleux, fabriquons fabuleusement,​ une fiction, une [science] fiction.»
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 +{{:​taro-mushroom.jpg?​600|}}
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 +{{:​spores-interactive.jpg?​600|}}
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 +{{:​t-shroom.jpg?​600|}}
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 +__Manifest!__
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 +Mycelium Network Society is an underground network imagination situated in a post-internet mudland and powered by fungus, spores, culture, kitchen, radio, transmission,​ installations,​ workshops and performances.
 +
 +Mycelium Network Society pursuits magic mushroom, from a state of hyper-hallucination to collective fungal consciousness,​ investigates the fungi culture, its network capacity to communicate and process information.
 +
 +Mycelium Network Society as an after nature’s network commands its own domain in human-disturbed forests - sprouting across the moisture of rich soils, expanding its colonies, sharing informations,​ networking co-habitants across borders
 +
 +Mycelium Network Society seeks out mycelium to lead us out of the ruins, to construct political tactics, to salvage economic meltdown, to persist in constant molecular communication a la mycelium mode.
 +
 +https://​www.youtube.com/​embed/​T-vgjTYpIxg
  
  
 __links :__ __links :__
 +
 +https://​vimeo.com/​channels/​bioart
 +
 +http://​myceliumns.net/​index.html
  
 http://​aoo.free.fr/​ http://​aoo.free.fr/​
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 http://​creative.arte.tv/​fr/​bioart-art-issu-des-labos http://​creative.arte.tv/​fr/​bioart-art-issu-des-labos
 +
 +http://​www.lesmutants.com/​bioart.htm
  
 https://​www.vegactu.com/​art-vg/​mais-quest-ce-que-le-bio-art-4111/​ https://​www.vegactu.com/​art-vg/​mais-quest-ce-que-le-bio-art-4111/​
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 https://​www.boumbang.com/​patricia-piccinini/​ https://​www.boumbang.com/​patricia-piccinini/​
 +
 +http://​www.artwiki.fr/​wakka.php?​wiki=BioArt
  
 http://​suzanneanker.com/​ http://​suzanneanker.com/​
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 https://​www.youtube.com/​embed/​JryBOCyzRzU https://​www.youtube.com/​embed/​JryBOCyzRzU
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 +**Text - MATHIEU COPELAND - Nothin to advertise, just a text on the art of Phill Niblock**
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 +Phill Niblock nous ouvre les horizons d’un art qui met à mal toute entreprise de définition. Un art qui ne se limite pas à une approche invariable ou à un médium unique. Un art qui nous investit de sa totalité. Depuis la fin des années 1960, son œuvre s’active à transformer notre perception et notre expérience de la musique et du temps. Ses compositions doivent s’écouter très fort, car c’est au sein d’une telle masse sonore que l’on peut véri- tablement explorer les harmoniques — c’est d’ailleurs là un équivalent direct à l’échelle imposante des images projetées, dont la densité et la matérialité viennent nous submerger. ​
 +
 +Dès l’initiation en 1968 de son travail sur les Environments,​ une série de performances-installations intermédia,​ l’art de Phill Niblock s’est toujours attaché à associer les multiples formes que sont la musique, le film, la photographie,​ la projection d’images et la danse, en une forme globale qui serait plus tard qua- lifiée d’« Art Intermédia ». Elaine Summers, avec qui il travaillait depuis 1965, fonda l’Experimental Interme- dia Foundation en 1968, et Niblock en devint le directeur en 1985. Phill Niblock est né en 1933, dans l’Indiana,​ aux États- Unis. Il commence sa carrière en tant que photographe,​ et immortalise entre 1961 et 1964 des grandes figures du jazz comme Duke Ellington, parmi bien d’autres. C’est en véritable fanatique de jazz qu’il commence à prendre des photos dans les clubs et lors de sessions d’enregistrement. Après avoir rencontré Jerry Valburn, ingénieur du son et archiviste, Phill Niblock est invité à un concert de l’ensemble d’Ellington à Long Island, dans l’état de New York, puis à une session d’enregistrement dans les studios de Columbia Records. Suite à cela, il sera souvent invité aux sessions d’Ellington. ​
 +
 +Phill Niblock s’en souvient : « j’ai rencontré Mercer Elling- ton, le fils de Duke, qui s’ocuppait de son archive. J’ai commencé à leur fournir des tirages de mes photos. Le dernier disque qui est sorti sur Riverside Records était un LP d’Ellington en duo avec Strayhorn, et il y avait l’une de ces photos sur la pochette. Et ils ne m’ont pas crédité [soupir]. » Niblock laisse ensuite de côté la pratique de la pho- tographie, pour se tourner vers les images projetées, avant d’y revenir aux alentours de 1980. En 1979, il se lance dans une étude des transformations sociales de New York à travers des œuvres comme Streetcorners in the South Bronx, série de photographies de la zone désaffectée et délabrée qu’était le sud du Bronx à la fin des années 1970. Son approche dans la réalisation de ces photographies consiste à « capter de manière systé- matique une vue de chaque rue, dans les quatre direc- tions données par l’intersection,​ chaque photo devant comprendre un panneau indiquant un nom de rue ; je les prenais depuis un grand tabouret de cuisine placé au milieu de la chaussée, sur lequel je me tenais debout. Les tirages sont présentés sous forme de grille, avec le nord en haut. » En 1988, Niblock réalise la série Buil- dings along SoHo Broadway, qui couvre une partie du district de Broadway connu pour ses façades à architec- tures métalliques,​ entre Howard Street et Prince Street. Toutes les photos ont une très haute résolution,​ réalisées à l’aide de pellicules Kodak Tech Pan 35 mm au grain très fin, avec un boîtier et un objectif Nikon. ​
 +Comme s’en souvient Niblock, « toutes les photos ont été prises au même moment de la journée, et pas en plein soleil. Je me tenais très près des immeubles, et je regardais droit vers le haut. Le résultat ressemble donc à un pay- sage. Je passais tout le temps dans cette rue, qui est juste à côté de chez moi, et pourtant je n’avais presque jamais fait attention au sommet des immeubles. » Au milieu des années 1960, Niblock commence à réaliser des films pour les danseurs de la Judson Church — Elaine Summers, Yvonne Rainer, Mere- dith Monk, Tine Croll, Carolee Schneeman ou encore Lucinda Childs, une pratique qui le mènera à réaliser, entre 1966 et 1969, la célèbre série qu’on connaît sous le nom de Six Films, qui compte les classiques que sont Max, avec Max Neuhaus, et The Magic Sun avec Sun Ra et son Arkestra. Entre 1968 et 1971, Niblock, rompant avec les traditions du cinéma, réalise sa série d’Envi- ronments, puis entreprend, en 1973, un projet auquel il se consacrera pendant vingt ans et qui deviendra son œuvre majeure : The Movement of People Working. ​
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 +Les Environments sont une série d ’installations,​ présentées dans des musées ou dans le cadre de théâtre non verbal, qui, comme l’écrit Jonas Mekas, « présentent des mouvements et des images dotés d’une énergie vitale presque inaltérée. En sortant d’une telle perfor- mance, on se sent plus fort, plus vivant. » Ces quatres Environments produits autour de 1970 — Environment (1968), Cross Country/​Environment II (1970), 100 Miles Radius/​Environment III (1971) et enfin Ten Hundred Inch Radii/​Environment IV (1971) — sont présentés,​ à l’origine,​ dans des lieux aussi diversifiés que la Jud- son Church, l’Everson Museum of Art de Syracuse, le Herbert F. Johnson Museum de l’Université Cornell ou le Whitney Museum à New York. Leur forme évoluera : en 1968, les différents éléments sont encore fraction- nés ; avec 100 Miles Radius, l’environnement se compose déjà d’un grand écran large d’une douzaine de mètres, où sont projetés côte à côte trois films ou deux séries de diapositives,​ interrompus par trois fois par des dan- seurs interprétant,​ comme s’en souvient Mekas, « des pièces simples, uni-thématiques,​ qui se fondaient par- faitement dans la sérénité des images. » Avec celles-ci, Niblock donne, comme l’écrit Abigail Nelson, « une vision de la nature plus abstraite, plus simple […] à travers des plans très rapprochés,​ dépourvus de fond. » À travers des images fixes et des films, les deux derniers Environments dévoilent la géographie des monts Adirondacks,​ dans l’état de New York, dans des rayons respectivement de cent miles (env. 160 km) et de cent pouces (env. 2,50 m). Extrayant ainsi la réalité de plu- sieurs environnements,​ tout en aménageant un envi- ronnement temporaire constitué d’images projetées, de musique et de mouvements dans l’espace du musée, la série de ces œuvres nous permet de comprendre vrai- ment ce que c’est qu’un environnement. La série de films The Movement of People Working dépeint le travail humain dans sa forme la plus élémen- taire. Filmé en 16 mm couleur, puis plus tard en vidéo, dans des lieux comme le Pérou, le Mexique, la Hongrie, Hong-Kong, l’Arctique,​ le Brésil, le Lesotho, le Portugal, Sumatra, la Chine et le Japon — avec plus de vingt-cinq heures de film en tout, The Movement of People Working se concentre sur le travail pris comme une chorégraphie de mouvements et de gestes, sublimant la répéti- tion mécanique et pourtant naturelle des actions des travailleurs. ​
 +
 +Phill Niblock explique avoir commencé The Movement of People Working « par nécessité,​ car ma musique s’accompagnait de danse simultanée,​ et c’était trop laborieux et trop onéreux de tourner avec tout ce monde. Alors j’ai fait ces films, que je pouvais projeter pendant que je jouais. » Lorsque les films sont dif- fusés, ils sont accompagnés par la collection de lentes compositions musicales évolutives de Niblock, à l’harmonie si minimaliste,​ composées entre 1968 et 2011. Le volume sonore utilisé lors de la diffusion de ces longs bourdons en offre une expérience viscérale, et vient ani- mer les harmoniques toutes scintillantes,​ palpitantes. La superposition des tons vient faire écho à la répétiti- vité de l’activité des ouvriers ; sur chaque écran, la suc- cession des films (qui changent tout au long de la jour- née), combinée avec un programme aléatoire qui choisit au hasard différentes compositions musicales, résultent en un renouveau permanent des formes, proposant sans cesse de nouvelles juxtapositions de son et d’images. The Movement of People Working tient un propos fort, politique et social, que le titre met bien en évidence et qui se manifeste par la proximité avec les travailleurs. ​
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 +En cela, cette série de films peut faire écho au travail de certains cinéastes comme Jean-Luc Godard et Chris Marker qui, dès 1967, donnèrent la caméra aux ouvriers en leur expliquant les rudiments techniques du cinéma afin qu’ils puissent réaliser leurs propres films. Dans un fascinant retournement de la situation, plutôt que de faire de la fiction ou du pur documentaire,​ certains ouvriers formèrent les groupes Medvedkine et décidè- rent de se filmer en train de travailler. À l’intersection de tant de domaines — musique minimaliste,​ art conceptuel, cinéma structurel, art systé- mique ou même engagé, pour n’en citer que quelques uns, et à travers tant de collaborations avec des artistes, des danseurs, des chorégraphes ou encore des musi- ciens, l’art de Phill Niblock nous donne tout simplement l’opportunité si rare de faire l’expérience d’un art réalisé à partir du temps, un art qui nous fait éprouver le temps. ​
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 +[[Plus de textes de Phill Niblock]]
  
  
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 **Cécile Babiole** **Cécile Babiole**
  
 +"Dès le début de ma pratique artistique, j’ai travaillé sur la même thématique : la transposition,​ le transcodage,​ la manipulation de l’image par le son et inversement,​ le passage d’un langage à l’autre, d’un code à l’autre, d’un contexte à l’autre. C’est en tant que musicienne, au sein de Nox, au début des années 80, que j’ai commencé à travailler sur des boucles de film super 8 et à construire des rythmes visuels à l’aide d’une série de projecteurs tournant simultanément. Il s’agissait en quelque sorte d’une transposition de la batterie ou la boîte à rythme dans le registre de l’image.
  
 +{{:​cecilebabiole1_copie.jpg?​600|}}
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 +{{:​cecilebabiolejenedoispascopier.jpg?​600|}}
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 +Plus tard, quand je me suis lancée dans l’animation en 3D, ce qui m’a le plus attirée, c’est le fait que l’animation consiste précisément à faire converger l’espace et le temps pour créer le mouvement; toute trajectoire d’un objet représenté en animation étant la résultante de la combinaison d’une distance et d’une durée; dans sa nature même, l’animation possède une dimension musicale.
 +Dans mes installations sonores et vidéo ou lumineuses, la relation entre image/​lumière et son est explicite, même si une certaine ironie vient le plus souvent brouiller la correspondance. Rétrospectivement,​ j’attribue cet intérêt au fait que j’ai vécu très concrètement,​ dans les années 80, le passage de l’analogique au numérique. Cette mutation technologique m’a naturellement entraînée à examiner de près ces images et ces sons désormais conçus comme des données convertibles."​
 +
 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​5755240?​color=ffffff&​title=0&​byline=0&​portrait=0"​ width="​640"​ height="​512"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​5755240">​VIRTUS 3D animation video by C&​eacute;​cile Babiole ​ (1992)</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user1794563">​cecilebabiole</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
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 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​117717929?​color=ffffff&​title=0&​byline=0&​portrait=0"​ width="​640"​ height="​468"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​117717929">&​quot;​Reality Dub&​quot;​ in Vid&​eacute;​oformes festival 2000</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user1794563">​cecilebabiole</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​25975122?​color=ffffff&​title=0&​byline=0&​portrait=0"​ width="​640"​ height="​480"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​25975122">​Pixels a light and sound installation by Cecile Babiole</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user1794563">​cecilebabiole</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
  
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-Julian Oliver+**Julian Oliver** 
 + 
 +Le Néo-zélandais Julian Oliver travaille à l’intersection critique entre l’art et la technologie. Son travail a été présenté dans des musées internationaux et il a donné un grand nombre de workshops et master-classes sur l’art logiciel, la réalité augmentée, le hacking créatif, la datavisualisation ou encore l’architecture visuelle. Il est un militant actif des logiciels libres dans la création artistique, la distribution et l’éducation. 
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 +{{:​oliver1.jpeg?​600|}} 
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 +Oliver propose des explorations des réseaux sans fil (wifi mais aussi téléphonique) pour modéliser les menaces et les tactiques de surveillance qui nous espionnent au quotidien, et savoir s’en protéger. Mais surtout donner un aperçu effrayant de la volatilité des datas qui nous entourent et de la perméabilité des informations personnelles qui y transitent. 
 + 
 +L'​artiste s’enfonce au cœur des données ambiantes. Avec une facilité déconcertante,​ qui interroge sur le modus operandi général – si ces commandes existent pour pénétrer au cœur de nos données, tout est donc planifié à la source par les fabricants et autres fournisseurs d’accès pour que le piège se referme sur l’usager. Toutes les datas scannées sont enregistrables et surtout facilement déchiffrables via des logiciels comme Wireshark, un analyseur libre et gratuit de paquets (le nom donné aux fichiers transitant sur le réseau et contenant informations de traçabilité,​ de protocoles et bien entendu nos précieuses datas). 
 + 
 +{{:​crystal-web-4-1200x600-c-default.jpg?​600|}} 
 + 
 +L’absence de transparence dans les décisions gouvernementales est un des sujets les plus controversés de ces dernières années avec notamment les révélations faites par Wikileaks et Edward Snowden sur des sujets brûlants. Cette situation encourage des pratiques séditieuses afin d’accélérer la réforme de la politique. La Transparency Grenade de Julian Oliver se présente comme une grenade à main, qui contient un micro-ordinateur,​ un microphone et une antenne wifi. Cette antenne capte le trafic du réseau environnant qu’elle transmet à un serveur dédié, redonnant à voir publiquement sur site l’ensemble des informations interceptées : noms d’utilisateurs,​ adresses IP, fragments de mail, pages internet, images et sons extraits de ces données.  
 + 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​23075736"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​23075736">​Newstweek:​ fixing the facts</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user5685529">​newstweek</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
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 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​17340080"​ width="​640"​ height="​480"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​17340080">​The Artvertiser Howto: Lesson 1</a> from <a href="​https://​vimeo.com/​julianoliver">​Julian Oliver</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
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 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​26878333"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​26878333">​F&​ouml;​hnseher (Seer of Warm Winds)</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​julianoliver">​Julian Oliver</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
 + 
 + 
 +**HONF** 
 + 
 +L'open source appliquée au vivant de synthèse à travers le projet Intelligent Bacteria, du collectif indonésien HONF: House Of Naturel Fiber. L'​objectif du projet est de transmettre à leurs compatriotes indonésiens la maîtrise du processus de fermentation de l'​alcool qui représente un véritable enjeu pour eux: produire et boire du bon vin est aujourd’hui en Indonésie un enjeu et un défi pour la société. Le collectif joue avec la légalité puisque la consommation d'​alcool dans les espaces publics est interdit en Indonésie. 
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 +{{:​honf-1024x768.jpg?​600|}} 
 + 
 +Créée en 1999 à Yogyakarta – ville universitaire,​ centre de la culture javanaise et de la pensée musulmane, HONF est un groupe créatif né de la collaboration d’artistes et de scientifiques indonésiens spécialisés en microbiologie et en biotechnologie. HONF se donne pour objectif de mettre au quotidien la technologie au service de la société. Il valorise les pratiques du "Do It Yourself"​ en utilisant les technologies open source. 
 + 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​19640854"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​19640854">​HONF | Intelligent Bacteria Orchestra</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​muellergirod">​Christoph M&​uuml;​ller-Girod</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
 + 
 +The House Of Natural Fiber est une plateforme née de la collaboration d’artistes « new media » et de scientifiques indonésiens spécialisés en microbiologie et en biotechnologie. Créée en 1999 à Yogyakarta – ville universitaire,​ centre de la culture javanaise et de la pensée musulmane – comme un laboratoire rempli de pipettes, d’idées et de bonnes volontés, HONF se donne pour objectif de mettre au quotidien la technologie au service de la société. 
 + 
 +{{:​honf8expo1.jpg?​600|}} 
 + 
 +« Pour le projet Intelligent Bacteria, nous avons décidé d’utiliser l’art comme moyen de médiation et de médiatisation. Nous avons d’abord réalisé une exposition itinérante en Indonésie afin de rendre un peu plus attractif notre projet auprès des locaux que nous voulons sensibiliser et éduquer… Être présent à transmediale est aussi une manière de faire connaître la situation indonésienne à l’international », explique Irfan D. Prijambada, président du Laboratoire d’agriculture microbiologique à l’université Gadjah Mada de Yogyakarta, membre du collectif The House of Natural Fiber. 
 + 
 +Avec ses grandes bonbonnes dans lesquelles fermentent des jus de fruit, l’installation acoustique, « Intelligent Bacteria – Saccharomyces cerevisiae » semble n’être qu’un prétexte, une opportunité de figer dans le temps et dans l’espace un projet dont les dimensions dépassent largement celle de la galerie qui la contienne. 
 + 
 +https://​www.youtube.com/​embed/​fF9uaf3a5po 
 + 
 +https://​www.youtube.com/​embed/​t_auGZfSh2w 
 + 
 + 
 + 
 +**!Mediengruppe Bitnik** 
 + 
 +Ce collectif d’artistes,​ fondé en 2003, adapte des stratégies de pirates informatiques connues pour en montrer le potentiel artistique et culturel. Il infiltre les systèmes (informatiques,​ médiatiques) en place, les détourne de leurs fonctions
et en propose de nouvelles utilisations. Les cibles privilégiées sont les systèmes de retransmission de données en direct et les médias dont ils reproduisent et manipulent les mécanismes 
pour offrir une nouvelle manière artistique de les appréhender. 
 + 
 +{{:​mediengruppe5surveillancechess2.jpg?​600|}} 
 + 
 +Si nous devions nommer notre pratique artistique, nous dirions qu’elle est exploratoire et interventionniste. Parmi celles-ci, le Hacking est une de nos stratégies principales. Nous nous emparons des différentes stratégies à l’œuvre dans le Hacking et nous les transformons en pratiques artistiques. Par là même, si un Hacker est considéré comme une personne qui jouit de sa connaissance des systèmes informatiques et de leur exploration,​ tout en étendant les capacités de ces systèmes à des utilisations auxquels n’ont pas forcément pensé les utilisateurs lambda (1), nous, en tant qu’artistes,​ nous utilisons les systèmes sociétaux et culturels comme matériaux artistiques. 
 + 
 +En utilisant le Hacking comme stratégie artistique, nous tentons de recontextualiser le familier pour en proposer une nouvelle lecture. Nous sommes, par exemple, connus pour être intervenus au sein de l’espace de surveillance vidéo londonien du CCTV, et avoir remplacé les images vidéo d’origine par des invitations à jouer aux échecs. Au début de l’année 2013, nous avons envoyé un colis au fondateur de Wikileaks, Julian Assange, réfugié à l’ambassade équatorienne à Londres. Le paquet contenait un appareil photo qui a diffusé son voyage à travers le système postal en direct sur Internet. Nous appelons ce travail un SYSTEM_TEST ou une pièce de Mail Art Live. Avec nos œuvres nous formulons des questions fondamentales concernant les questions contemporaines. 
 + 
 +{{:​mediengruppe4surveillancechess.jpg?​600|}} 
 + 
 +Actuellement !Mediengruppe Bitnik se concentre sur les Darknets. Ces réseaux qui se situent au-delà de l’information quotidienne visitée par la majorité des utilisateurs d’Internet. C’est une autre forme d’Internet administrée par des millions d’utilisateurs,​ mais ignorée des publics traditionnels. C’est une sous-culture d’Internet,​ formé par des réseaux décentralisés,​ cryptés et anonymes. Un monde parallèle de communication. La vie en ligne devient plus importante que divers aspects de nos vies offline, les forces à l’extérieur vont de plus en plus essayer de la contrôler et de la gouverner. 
 + 
 +Après les fuites de l’affaire Snowden, nous estimons que les rapports de force changent. Depuis, il est devenu clair que le Web classique est une machine de surveillance gigantesque. De plus en plus de personnes comptent sur les réseaux anonymes, comme TOR, pour échapper regards indiscrets. Ce sont des logiciels et  des réseaux qui s’appuient sur le chiffrement et les logiciels de cryptage. Cela nous intéresse forcément, que nous soyons journalistes,​ dissidents, militants, artistes ou codeurs, etc. 
 + 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​46236909"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​46236909">​Surveillance Chess</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user3232522">​!Mediengruppe Bitnik</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
 + 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​68720955"​ width="​640"​ height="​480"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​68720955">​Download Finished - The Art of Filesharing (2006)</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user3232522">​!Mediengruppe Bitnik</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
  
  
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 https://​julianoliver.com/​output/​ https://​julianoliver.com/​output/​
 +
 +https://​wwwwwwwwwwwwwwwwwwwwww.bitnik.org/​
 +
 +http://​www.honf.org/​
 +
  
 ==== live coding, nouvelle technicité ou forme d'art en construction?​ ==== ==== live coding, nouvelle technicité ou forme d'art en construction?​ ====
  
 +Musique et algo - blog et interviews : http://​musiquealgorithmique.fr/​
  
-Slub+Le Live coding (parfois appelé « programmation à la volée », ou « programmation juste-à-temps ») est une technique de programmation basée sur l'​utilisation de programmation interactive improvisée. Le Live coding est souvent utilisé pour créer des médias digitaux basés sur des sons et des images, et est particulièrement représenté en musique assistée par ordinateur. Il combine musique algorithmique et improvisation3. Typiquement,​ le processus d'​écriture est rendu visible par projection de l'​écran d'​ordinateur dans l'​audience,​ avec des moyens de visualisation du code, et une aire de recherche active4. Il existe aussi des approches de live coding humain dans la danse5. Les techniques de live coding sont également employées hors audience, comme pour produire des bandes son6 ou des œuvres audiovisuelles pour des installations d'art interactif.
  
 +Temporal Organisation for the Purity of Live Art Programming
  
 +TOPLAP (The (Temporary|Transnational|Terrestrial|Transdimensional) Organisation for the (Promotion|Proliferation|Permanence|Purity) of Live (Algorithm|Audio|Art|Artistic) Programming) est une organisation informelle constituée en février 2004 pour rassembler diverses communautés qui s'​étaient formées autour des environnements de live coding14. Le manifeste TOPLAP [archive] définit plusieurs contraintes pour une représentation conforme TOPLAP, en particulier le fait que les écrans des interprètes doivent être projetés et non cachés. TOPLAP a organisé de nombreux événements,​ en particulier le « LOSS Livecode festival »
  
-Alex Mc Lean+__TOPLAP MANIFESTO__
  
 +We demand:
  
 +Give us access to the performer'​s mind, to the whole human instrument.
  
-Sam Aaron+Obscurantism is dangerous. Show us your screens.
  
 +Programs are instruments that can change themselves
 +
 +The program is to be transcended - Artificial language is the way.
 +
 +Code should be seen as well as heard, underlying algorithms viewed as well as their visual outcome.
 +
 +Live coding is not about tools. Algorithms are thoughts. Chainsaws are tools. That's why algorithms are sometimes harder to notice than chainsaws.
 +
 +
 +We recognise continuums of interaction and profundity, but prefer:
 +
 +Insight into algorithms
 +
 +The skillful extemporisation of algorithm as an expressive/​impressive display of mental dexterity
 +
 +No backup (minidisc, DVD, safety net computer)
 +
 +
 +We acknowledge that:
 +
 +It is not necessary for a lay audience to understand the code to appreciate it, much as it is not necessary to know how to play guitar in order to appreciate watching a guitar performance.
 +Live coding may be accompanied by an impressive display of manual dexterity and the glorification of the typing interface.
 +Performance involves continuums of interaction,​ covering perhaps the scope of controls with respect to the parameter space of the artwork, or gestural content, particularly directness of expressive detail. Whilst the traditional haptic rate timing deviations of expressivity in instrumental music are not approximated in code, why repeat the past? No doubt the writing of code and expression of thought will develop its own nuances and customs.
 +
 +Performances and events closely meeting these manifesto conditions may apply for TOPLAP approval and seal. https://​toplap.org/​wiki/​Main_Page
 +
 +
 +**Slub**
 +
 +Slub is an electronic music collaboration running since the year 2000, started by Adrian Ward and Alex McLean and later joined by Dave Griffiths and Alexandra Cardenas. They make intensive, broken algorithmic dance music, using self-built software environments and programming languages. They'​ve performed at festivals across Europe, including Sonar, Club Transmediale,​ Sonic Acts and STRP. For AlgoMech at least two thirds of Slub (Alex, Dave and Alex) will create dance music from live coded patterns on custom hardware, inspired by ancient warp-weighted weaving techniques. ​
 +
 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​62615513"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​62615513">​SLUB - Live coding</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​jomasan">​jomasan</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
 +
 +http://​akustik.hfbk.net/​publications/​LiveCodingInLaptopPerformance.pdf
 +
 +http://​slub.org/​
 +
 +
 +**Alex Mc Lean**
 +
 +Mais les gens qui ne connaissent pas le code sont assez enthousiastes parce qu'ils ont cette idée d'un monde mystérieux et caché auquel ils n'ont pas accès et peuvent se sentir effrayés. S'ils voient quelqu'​un écrire du code pour faire de la musique, il peuvent le voir, le comprendre, en voir un côté plus humain. ​
 +Nous ne sommes pas des ingénieurs logiciels. Enfin, je le suis aussi… Mais on ne construit pas des logiciels, on fait de la musique. On essaie de se dissocier de ce monde. L'​industrie de l'​informatique a beaucoup de problèmes de diversité, de méritocratie,​ de misogynie aussi. Ça fait du bien d'​essayer d'​imaginer un monde différent à travers ces espaces musicaux. ​
 +
 +{{:​livecode1mclean.jpg?​600|}}
 +
 +Live coding illuminates the ways in which programming can be an artistic practice, software-as-art,​ going beyond a mere supporting role, and illustrating that software is itself a cultural artefact, not simply an infrastructure commodity. ​ We see many opportunities for nuanced, cross-disciplinary contributions to the digital humanities, for example in a revitalisation of the historical connection between computation and weaving,
 +insights into the role of practice and experiment, and an enrichment of the notion of computation itself. Indeed, as computing becomes embedded in culture, the live, everyday authorship of computation becomes a socio-political question of freedom of speech and empowerment.
 +
 +{{:​livecode3.jpg?​600|}}
 +
 +Le résultat est toujours spontané, puisqu'​en changeant le code en cours de performance,​ le live coder n'a bien souvent aucune idée de ce à quoi va ressembler l'​ensemble musical. Dans le magazine Vice, McLean raconte: "Le code devient assez complexe et je peux le changer, mais je ne sais jamais exactement ce qu'il va se passer quand je le transforme. Ca devient quelque chose avec lequel je joue." Les artistes improvisent donc, quitte à tout faire planter. Parfois, une virgule oubliée ou une parenthèse de trop peut plonger la salle dans un silence gênant, le temps que le programmeur comprenne d'où vient sa boulette.
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 +https://​slab.org/​
 +
 +
 +https://​www.youtube.com/​embed/​8y_47ExSLRE
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 +
 +**Sam Aaron**
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 +{{:​sonicpi2.jpg?​600|}}
 +
 +I am a researcher, software architect and computational thinker with a deep fascination surrounding the notion of communicative programming. I see programming as one of the many communication channels for descriptions of formalised process of any kind, be it a business process, a compiler strategy or even a musical composition.
 +
 +
 +<​html>​
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​110416910"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​110416910">​Meta-eX,​ &#​039;​Sonic Dreams&#​039;</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user33572687">​Sonic Pi: Live &amp; Coding</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​
 +</​html>​
  
 +sonic-pi (fr) - https://​www.linuxrouen.fr/​wp/​musique-assistee-par-ordinateur-mao/​sonic-pi-un-environnement-de-codage-musical-live-base-sur-ruby-20220/​
  
  
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-Yes man+**Yes Men**
  
 +Les Yes Men sont deux activistes du canular (Jacque Servin et Igor Vamos, connus sous les pseudonymes de Andy Bichlbaum et Mike Bonanno), qui dénoncent le libéralisme par la caricature.
  
-the men in grey+https://​www.youtube.com/​embed/​-wVqjjirmGo 
 + 
 +Ce groupe d'​activistes qui tourne en dérision des multinationales,​ des hommes politiques et toutes sortes d'​organisations en mettant en scène de faux événements,​ de faux sites Web ou de fausses conférences de presse. Ils sont habitués à piéger les médias, en se faisant passer notamment pour des responsables d'​Exxon Mobil ou de l'Etat américain, et rodés à la création de fausses "​unes"​ de journaux annonçant la "fin de la guerre en Irak"​ou l'​imminence de désastres naturels à New York.  
 + 
 +Sous le nom de Yes Men, ils se sont fait remarquer avec le site http://​gwbush.com,​ qui était une version légèrement modifiée du site de George W. Bush Jr, alors candidat à la présidence. Ce dernier avait commenté l'​affaire en affirmant qu'il fallait limiter la liberté d'​expression sur Internet. Continuant dans le registre de l'​imposture,​ ils utilisent l'​ancien nom de l'OMC et créent le site gatt.org, suffisamment proche du site officiel pour leur valoir des propositions d'​interventions à des conférences.  
 + 
 +Pour ridiculiser le libéralisme,​ les Yes Men sont prêts à tout. En 2001, ils créent un faux site Internet de l' OMC (Organisation mondiale du commerce) 
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 +{{:​yesmen1.jpg?​600|}} 
 + 
 +Ils se font passer pour des représentants de l'​organisation et lors de la conférence Les Textiles du futur, en Finlande, Andy se présente sur scène en costume cravate. 
 +Pour dénoncer les dérives du néolibéralisme et la convoitise des entreprises il joue, comme toujours, sur les registres de l'​absurde. Il traite Gandhi d’«idiot protectionniste » et dénonce l’esclavage comme une perte de temps, une étape inutile avant l’exploitation des pays du tiers monde. Mais dans la salle tout le monde ne comprend pas l'​ironie. Pour réveiller les invités les moins perspicaces,​ Andy enlève alors son costume pour se retrouver en maillot moulant doré avec un phallus gonflable géant. 
 + 
 +{{:​yesmen2.jpg?​600|}} 
 + 
 +Le 28 avril 2005, lors d'une conférence à Londres devant environ 70 professionnels de la banque, Erastus Hamm, un soi-disant « représentant de Dow », dévoile un calculateur de risque acceptable et la mascotte du risque acceptable, un squelette doré grandeur nature nommé Gilda. Il explique alors que la mort de certains employés est une composante nécessaire de la gestion des intérêts de leur entreprise. 
 + 
 +https://​www.youtube.com/​embed/​S8h6QuAjrpk 
 + 
 +https://​www.youtube.com/​embed/​n8Kb0uvvol8 
 + 
 +https://​fr.wikipedia.org/​wiki/​The_Yes_Men 
 + 
 +http://​www.artwiki.fr/​wakka.php?​wiki=YesMen 
 + 
 +**the men in grey** 
 + 
 +Les Men in Grey (MIG) opèrent dans cette zone grise, de plus en plus ambiguë, entre ce qui est considéré comme privé et ce qui relève de l’espace public à l’ère de l’informatique ubiquiste. 
 + 
 +{{:​men_in_grey_vid-526x299.png?​600|}} 
 + 
 +Vous êtes dans la rue ou dans un café, en train de consulter un site web sur votre ordinateur portable ou votre smartphone, de poster des statuts sur Facebook, de partager une photo coquine ou de vous envoyer des mots doux par tchat, pensant être à l’abri des regards, et voilà que vous entendez une synthèse vocale claironnant à la face du monde ce que vous venez de chuchoter sur votre clavier. La voix mécanique qui émane de curieuses mallettes portées par les deux Men in Grey annonce de surcroît le numéro IP de votre machine, tandis que votre message s’affiche en toutes lettres sur les écrans incrustés de leurs attachés-cases. 
 + 
 +{{:​miguse1.jpg?​600|}} 
 + 
 +Ces opérateurs aux allures de bureaucrates s’interposent dans le trafic sans fil non sécurisé et prennent le contrôle du réseau. Agissant comme des routeurs (cet élément intermédiaire dans un réseau qui assure le transit des paquets de données), ils interceptent,​ manipulent et rendent visibles les flux de données immatérielles qui se baladent dans l’éther. Parfois sur écrans géants, comme c’était le cas au Media Facades festival cet automne. «Manifestation de l’anxiété générée par le réseau», les Men in Grey sont une apparition inquiétante à l’ère des mises sur écoutes gouvernementales,​ des espions Facebook, des caches Google, du filtrage sur Internet. «Nous sommes la manifestation directe du stress généré par le réseau.[…] Nous capturons et reconstruisons ce qui est caché dans l’air. Nous sommes des prismes, révélant les peurs du réseau citoyen, ses doutes, ses désillusions,​ ses désirs et ses mensonges»,​ écrivent les auteurs sur un site web noir aux allures conspirationnistes. » 
 + 
 +https://​www.youtube.com/​embed/​3Eae3Io0zBs 
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 +http://​newstweek.com/​ 
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 +**Harsh Noise Consortium** 
 +Le HNC propose un environnement sonore et visuel comme un non-espace, composé de bruits visuels, statiques de télévision cathodique et de générations automatiques de murs de bruit blanc. 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​archive.org/​embed/​HarshNoiseConsortiumEndOfOneV1Extract"​ width="​500"​ height="​140"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen="​true"​ mozallowfullscreen="​true"​ allowfullscreen></​iframe>​ 
 +</​html>​ 
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 +La pratique de l’Automatic Harsh Wall Noise (AHWN) réclame le courant HWN (Harsh Wall Noise) en le poussant jusqu’au bout, considère que la démarche de ne plus intervenir, de ne pas introduire d’émotion ou de composition,​ est une hypocrisie de ce mouvement . En effet il est toujours centré sur la figure d’une personne humaine qui incarne une forme d’émotion de part sa présence ou de la façon de démarrer et de finir sa performance (composition et intervention). La possibilité d’introduire la machine comme élément clé de génération du mur de bruits permet de réellement créer ces conditions, avec la disparition progressive de la main humaine (et une présence encore plus lointaine), le Harsh Wall Noise prend alors tout son sens. Le AHWN est né en opposition au HWN! 
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 +{{:​harshwallnoiseconsortium1.jpg?​600|}} 
 + 
 +__Automatic Harsh Noise Manifesto__ 
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 +NO RECORDED NOISE 
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 +ONLY NOISE MADE LIVE BY MACHINE 
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 +NO HUMAN COMPOSITION 
 + 
 +NO AUTHORSHIP 
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 +NO COPYRIGHT
  
  
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-Shu lea cheang+**Shu lea cheang**
  
 +Depuis une dizaine d'​années,​ elle est devenue la figure de proue de cet art. Utilisant des approches pluridisciplinaires,​ son travail est unique dans le fait de permettre une interaction avec les observateurs. Elle est plus connue pour son approche individuelle du royaume de l'art et de la technologie,​ une créativité entremêlant questionnement social et méthode artistique.
  
 +{{:​shu_lea_lang_interactive_mytho.jpg?​600|}}
  
-Julien Ottavi & Jenny Pickett, Collectif Apo33+L'art de Cheang évolue dans des médiums tels que des films, des vidéos, des sites Internet, et des interfaces, lesquels explorent « ...les stéréotypes ethniques, la nature et l'​extravagance des médias populaires, institutionnels - et spécialement gouvernementaux - pouvoir, relations raciales, et politiques sexuelles. » - Shu Lea Cheang  
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 +Cette pionnière d’origine taïwanaise a conçu des installations,​ mené des performances en réseau, cofondé des collectifs transdisciplinaires… et même cassé des déchets électroniques. 
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 +{{:​vlcsnap-2015-06-28-14h25m42s668-640x400-1.png?​600|}} 
 + 
 +http://​www.e-waste-performance.net/​ 
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 +Shu Lea Cheang a passé une semaine à casser du circuit elle aussi dans ce « paysage fictionnalisé », comme elle le décrit, où « les vaches errent sur le tas d’e-déchets », dans un vacarme incessant où ça cogne au marteau, ça dévisse, ça martèle… 
 +« C’est un peu la cité de l’électronique : quand on arrive à Alaba, on voit d’abord tout un tas de boutiques, du plasma fantaisie, des haut-parleurs,​ de l’électronique d’occasion. Puis on accède à la partie ‘poubelle’,​ avec cet immense dépotoir de déchets électroniques,​ où près de 100 personnes vivent et travaillent quotidiennement. »  
 + 
 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​122328767"​ width="​640"​ height="​352"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​122328767">​iletronis-alaba market-lagos,​ Nigeria</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user5349216">​shu Lea Cheang</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
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 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​134855975"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​134855975">​BABY WORK at ZERO1 Biennale 2012</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user5349216">​shu Lea Cheang</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
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 +<​html>​ 
 +<iframe src="​https://​player.vimeo.com/​video/​37978993"​ width="​640"​ height="​360"​ frameborder="​0"​ webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></​iframe>​ 
 +<​p><​a href="​https://​vimeo.com/​37978993">​UKI-viral performance - documentation excerpts</​a>​ from <a href="​https://​vimeo.com/​user5349216">​shu Lea Cheang</​a>​ on <a href="​https://​vimeo.com">​Vimeo</​a>​.</​p>​ 
 +</​html>​ 
 + 
 +http://​www.mauvaiscontact.info/​ 
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 +**Julien Ottavi & Jenny Pickett, Collectif Apo33**
  
  
  
 ===== Une proposition : l'​intermédia comme clefs d'​articulation entre arts électroniques,​ art numériques,​ live cinema, bioart et post-numérique ===== ===== Une proposition : l'​intermédia comme clefs d'​articulation entre arts électroniques,​ art numériques,​ live cinema, bioart et post-numérique =====
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 +==== Les recherches du réseau Electropixel ====
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 +Festival Des cultures électroniques et numériques libres
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 +**Jonhatan Reus**
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 +**Julien Pauthier** ​
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 +time is everywhere
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 +**Keith Rowe**
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 +dogs & radio
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 +**Marije Baalman**
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 +**Mariska De Groot**
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 +**Electromagnetic collective**
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 +**Souad Mani**
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 +**Sliders_lab**
  
  
  
 +**Tranzion**
  
 +artiste anonyme
  
  
  
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