Schedule :
Emily Godden & Audit Chaos – Ipswich (UK)

Handle with care : 18:00 Fri 26 Feb
The project “Handle with care” uses the collection at Gainsborough’s House, Sudbury as source data to be processed and re contextualised to be listened to through sound prints.

The process begins using a graphics tablet to draw out the lines/cracks formed over time as a result of the deterioration of the paintings at Gainsborough’s House. These drawings focus on the hands in the paintings and have been drawn in Adobe Photoshop CS6 and are then exported as bitmap prints to be imported into bespoke software. Through a process of plotting the pixels from the bitmap files the software uses a means of pixel feedback to construct grids from the pixels to plot out waveforms, which are then output as .wav files which can then be listened to.

This processing of data within the project allows a mediation to occur through data use and re-use which challenges typical expectations of image and media reproduction. Instead of merely exploiting the serial nature of print I have applied a haptic approach to the textures felt in the sound as being representative of the spaces that the sound has been extracted from. A feedback loop is established and the data transposed into a new form to create a state of flux.

The sonification of the intangible leads the sound files to act and function as prints which isolate the visual sense to engage in a haptic materiality which explores the vicissitudes of listening within virtual realities over the spatiality of Gainsborough’s House.

Emily Godden – Ipswich (UK)
Emily Godden’s practice is currently focused around printmaking stretched into its broadest sense of existence to explore, document and translate both physically and naturally occurring traces through the medium of print.

In recent work she has used sound as a mechanism to transmit data and communicate traces to exploit the essence of print in a post-digital landscape.

Living in Ipswich Emily Godden is currently studying BA (Hons) Fine Art at UCS and has exhibited work at Tate Britain, Firstsite, The Sainsbury Centre for Visual Arts and was recently shortlisted for the Batsford Prize for Fine Art.

Nicola Zolin – Italy
Be Careful, Little One : 19:00 Fri 26 Feb
Be Careful, Little One is a work made by Nicola Zolin in 2015. Is a 42 minutes lenght track made with a digital synth, a piano, an electric guitar and a series of field recordings. The various field recordings are taken in the most particular isles of Venice, between Murano, Burano and the Lido. They include an actor that scream in a public space, some Murano’s broken glasses in my hand, the classical sea waves and a little orchestra that play “Ode To Joy”. The piece take inspirations by the work and the method of the great minimal music composers, like Steve Reich and Terry Riley and from artists like Ben Frost and Christian Fennesz (in particular the use of the piano and the guitar, modified through the computer and various effects).

Be Careful, Little One is connected to the theme through the idea of deconstruction. The Shout, this interruption of information and ideas, is correlated with my work of destruction and reassembly. Where the neurosn stops carrying the information through our bodies, my sound samples are being destroyed. There’s no more classical music form (verse – refrain – verse), only these series of soundscapes. This idea born from the image of the broken glasses in my hand, used for the field recording in Murano. A broken thing that produce a new born sound. The electrical vs. digital theme is also reflected on the analog part of the track (the guitar, the piano, etc..) and on the digital part ( the field recording, the digital effects and the digital synth).

Nicola Zolin
b. 1992
Nicola Zolin is a student of Visual Art in Venice. His work is based on the use of sound as a primary element, applicated in installation, video and performance. In 2014 he worked with Alberto Cattani for a series of performances in the cities of Venice and Vicenza. The performance are based on a research about the gregorian and religious music, mixed with experimental sounds. In 2015 he produced his first Ep called “SPV”, a work of sound art based on the landscapes of the rural zone of Vicenza, where the natura meet the industries. The main theme of his work is the deconstruction and the reassembly of various sounds that came from different sources.

WICHE : Rouen (FR)
20:00 Fri 26 Feb
WICHE est de la musique concrète improvisée. Des matières enregistrée (Fieldrecord, synthèse, anecdotique, corps sonore) sont la banque de son du Concrètophone. Le Concrètophone est un patch informatique piloté par un controleur avec les transformations basique de la musique concrète. AU final le résultat est une musique live electronics qui est dépendant des matières injectée mais aussi de l?état d’esprit dans lequel se trouve l?instrumentiste. Wiche pour être entendu à besoin au minium d’une enceinte Mono pleine bande, et plus y’en a plus c’est fun. (dans la limite de 16 HP avec sub)

Voix et utilisation de sons généré par la mise en réseau de machine, par ailleurs j’ai bien envie d’utiliser des extrait de la célèbre conférence de Jacques lacan à l’université de Louvain

WICHE / AKA Hubert MICHEL- Rouen (FR)
Compositeur de musique concrète. A fait ses armes autour de roland Cahen, Christine groult et Roger Cochini. A collaboré avec L’IMEB et Césaré. Pasionné de spatialisation, possède son propre acousmonium La Bétonneuse.

A également un projet de musique concrète improvisé appelé WICHE.

Federico Dal Pozzo : 21:00 Fri 26 Feb

Janusz Brudniewicz : Montpellier (FR)
XNS Project : 22:00 Fri 26 Feb
Expérimentations sonores multiples .

Janusz Brudniewicz
Artiste interdisciplinaire
Né en Pologne en 1965. Depuis 1990, il vit et travaille à Montpellier en France.

Michael Trommer
: Toronto (CA)
Transmissions from the Technological Sublime : 23:00 Fri 26 Feb


Transmissions from the Technological Sublime is a recursive, animated narrative that evokes and explores the technotope upon which we have come to depend for our survival, a circumstance that simultaneously ? and paradoxically ? both alienates and seduces us.

Although the video references the atmospheric aspects of film noir, the visual elements within the piece are reduced to basic ur-objects; they are simplified and synthetic. These sparse visuals allow the sound to conjure the environment ? to fill in the spaces, so to speak. The fact that the narrative unfolds in a perpetual penumbra (and that the installation is presented in total darkness) is intended to force the primal response of straining to hear what can?t be seen ? to focus on the sonic. In addition, the exaggerated landscape aspect ratio also encourages the viewer to scan the image rather than focus on one specific area of narrative activity. Correspondingly, the narrative is intended to be recursive and textural, rather than linear and literal ? to evoke, without giving too much away. The protagonist in the car remains elusive; as they wander the vast, perspectival spaces (though it?s not clear if they?re wandering towards or away from), they remain entrapped, both within a circular, looping chronicle and the sonically and spatially sealed confines of their car.

Michael Trommer – Toronto (CA)
Producer and sound artist; his experimental work has been focused primarily on psychogeographical and acoustemological explorations via the use of field recordings and video, with releases on an unusually diverse roster of labels, including Transmat, Wave, Ultra-red, and/OAR, Audiobulb, Audio Gourmet, Gruenrekorder, Impulsive Habitat, Stasisfield, Serein, Flaming Pines, Unfathomless, 3leaves and con-v.

His installation and performance work has been presented at Australia?s ?Liquid Architecture?, Kunsthalle Schirn in Frankfurt, Cordoba?s art:tech soundLAB in Köln, FILE Sao Paolo and the 2008 and 2013 editions of Mutek’s a/visions series. He also regularly improvises with Toronto-based AI collective ‘i/o media’.

This project focuses on the all-encompassing nature of technological infrastructure – its almost hyperreal vibrational omnipresence which both echoes and permeates our psyches.

Jorge Bachmann : San Francisco (USA)
[ruidobello] : 10:00 Sat 27 Feb
Soundscape journey based on field recordings of natural events and urban too.
Sometimes precessed.
Since 2005 I have been delving into neuroscience. I have been researching and producing Saoundscapes where I apply certain frequencies to induce mental states, like using a square wave of 10Hz to induce alpha state.

Jorge Bachmann aka [ruidobello], is a media artist, experimental composer and curator based in San Francisco , USA. He is also a founder member of MEI.collectiv a multi-disciplinary group of artists.
Working across a wide range of explorations, bachmann’s work is eclectic, going from subtle “musique concrete” soundscapes, to harsh industrial, to analog synth minimalism.
Since the early 1980’s he has been exploring the strange, unique and microcosmic sounds of everyday life, collecting field recordings and creating soundscapes meant for deep listening. Form 2003 to 2007 he created the music for MOBU Dance troupe. jorge has exhibited and performed in North America, Europe, Japan, Taiwan and South America. In 2009 he performed his audio-visual piece, Coleoptera, at the 10th Francisco Electronic Music Festival. In recent years he has performed and improvised with the likes of Bryan Day, Michael Gendreau, Mason Jones, David Graves and Takahiro Kawaguchi.
At present he is one half of the synth duo “snowsteps” and one fourth of “Collision Stories”

loÏC frejaville : Nantes (FR)
à mon ZZIG’NAL! : 11:00 Sat 27 Feb
Le projet À MON ZZIG’NAL! se présente par un mélange de matières sonores et de textes à l’aide de mon ordinateur, j’utilise quelques micros piézo, j’ oscille ente l’improvisation et une certaine précision sonore. La proposition s’oriente par le mélange son/texte cela forme le cri des neurones
et par définition le cri de mes neurones!

loÏC frejaville – St Brieuc ( côtes d’armor)(FR)
né en 1959
Étude audiovisuelle.
Élaboration de divers projets audiovisuels à paris.
Participation au festival electropixel 2015.
Set 30′ au blockhaus diy.
Je réside à Nantes depuis 3 ans, actuellement je me passionne beaucoup pour le sonore, et Nantes brille de mille feux à ce niveau!

Shoï Extrasystole
: France
BUTTERFLY EFFECT : 12:00 Sat 27 Feb
Il va être question de champs d’informations, de modes de transmission et de mise en rupture de ces messages et de ces liens.

Dans les lignée de mes travaux sur la transmission, des témoignages sonores, des respirations d’objets et de logiciels vont être mis a mal par interventions, palpitations de la main de l’homme ? hardware / software vs human ? dans une contextualisation nulle et non avenue. C’est la décision d’intervention qui importera et non le récit, la mise en abyme et non la temporalité. C’est l’impulsion qui déterminera l’acte et non sa forme même. Telle une décharge électrique, quelque chose d’inconnu mais neuronal traversera le réseau nerveux et les fibres musculaires pour impacter radicalement la source jusqu’à déformer dans l’oreille de l?écoutant à l’autre bout du globe terrestre ce qui aurait pu être écrit.

Tel le battement d’aile du petit papillon qui peut devenir ouragan de l’autre côté de la planète?

La notion de jeu en temps réel et le streaming permettent de mettre en valeur l’accident, l’instant, les sursauts et la place de l’homme au milieu de son instrumentarium. La diffusion de séquences sonores impactées par non plus la volonté de construction mais les tentatives de destruction vont faire basculer la narration d’un concert en une oeuvre compacte, dense, unique et indivisible ; la présence de l’homme rend l’Histoire secondaire, le contexte primordial : il est le commencement de la réflexion sur le chaos source précisément de sa présence sur Terre. Tout commence par un cri.

Shoï Extrasystole – France
Born in 66 in France. Graduated in literature and linguistic, ex teacher, musician since 1987, curator and promoter of events since 91, producer and sound engineer since 2007. 23 albums, 19 ost (films, videos, theatre, exhibitions), 4 short films, 450 concerts in Europe, dozen exhibitions, a subjective and collective sound cartography in progress.

Artist in a craftsman way, always questioning my work to evolve it and in it, also use collaborations and transmissions. As ex professor, develops different sorts of transmission modes for my practices, in hearing, playing, recording and creating. Regularly working with other musicians, no limits in transferring using tools and languages’to exchange and create new forms. Based on humanity, reading and re-writing nature sounds (including civilisation échos) to interprate what is not hearable, and make visible the poetic part of elements. It’s founded in a subjective reading of environment; I work in multimedias and transmedias, going farther than the only artistic field like anthropology and earth’s sciences like French CNRS and Musee de l’Homme.

2batmol : 13:00 Sat 27 Feb

Solar Return : Nantes (FR)
14:00 Sat 27 Feb
Nantes based duo Jenny Pickett and Julien Ottavi created Solar Return in 2009. Taking electromagnetic phenomena as a starting point for their audio creations. They have produced various scores for dual audio synths/oscillators/DIY electronics etc…which reflect patterns and electromagnetic events such as solar flares and inner city mobile phone mast end as well as the unfathomable audio world of kitchen appliances. Through their performances the duo tunnel deep into the world of frequency, static and sound as a physical experience.
They have performed at various events and festivals in Berlin, London, New York, Montreal, Rotterdam, Marseilles, Brussles, Washington, Boston & Nantes.

: International
union_OFFAL_improv_mk_i : 15:00 Sat 27 Feb
Union is an algorithmic system for mediating collaboration in telematic improvisation. This proposal is for a performance with the system by OFFAL (Orchestra For Females And Laptops), a geographically dispersed collective of female sound artists and musicians.

Remote artists will send audio streams from their locations to the performance venue in a live collaborative improvisation. The musicians interact via the Union system which is an algorithmic mechanism which aims to mediate interaction between performers and find musical consensus in the incoming audio streams.

The system analyses the incoming audio streams in realtime using a Music Information Retrieval library. Streams which are sonically most similar to the others are mixed louder than divergent streams. The algorithmically mixed streams are played in the performance space and sent back out to the network so performers can also hear the final mix as played in the performance venue.

The mixing process is regulated by an algorithm which generates a sonic density graph for the performance to ensure a musical ebb and flow and tries to give all performers approximately the same amount of ‘air time’.

The performance plays with ideas around consensus and musical agency within a system that blurs the boundaries of cooperation, unity, presence and temporality.

OFFAL (Orchestra For Females And Laptops) is an international collective of women laptop performers who devise performances involving multi-location collaborative improvisation.

OFFAL was formed in 2015 in response to research around gender in digital technology and laptop ensemble practice (can we cite WisWos?). As a non-hierarchical collective it aims to connect an international group of women engaged in electronic music by developing technological systems and organisational structures that facilitate collaboration. The group provides a platform for the creation and performance of new laptop music by women.

Current members include Shelly Knotts (UK), Joanne Armitage (UK), Jenny Pickett (FR), Andrea Young (USA/CA), Libertad Figuerao (MX) and Alexandra Cárdenas (CO).

sonosFera(JP) :
the radio is broken : 16:00 Sat 27 Feb
The radio is broken is a serie of assorted mixes from sonosFera soundbase.
The base sound are fields recordings reimagined with some software that are used to build a neural landscape.

sonosFera (JP) is a field recording, sound art and other media project since 2013 that appears in the following events: Radio open call by Jennie Savage – Trienal de Lisboa – Osso Ecos 2 – Mapping The Space Between A and B – Vila Viçosa Walk – 19 – 22 September 2013; Open call radio by BrandonLabelle – The stranger Next to Me – The Stranger That Is Over There – Osso Ecos 4 – Stress FM Lisbon 6-9 March 2014; The Stranger Next To Me audio installation by Brendon LaBelle at Errant Bodies/Sound Art Project Space – Berlim 9 July 2014; Open call radio for Stress FM – Festival Cale 2014 – Fundão – 1-3 August 2014; Mercado Medieval Elvas; The Stranger Next To Me audio installation by Toni Dimitov at Macedonia – Skopje 13 February 2015; Compilations from Haze Net Label Sound Interpretations series and other sound projects like Moma Share Your Silence; World Listening Day 2014 ( STR014 – Decisions – Rialto Market Closing Time ) and 2015 ( STR023 – H2O I water sounds in the track Cities And Memory – Sound Waves ) compilations from Sonic Terrain; participation at global project UTOPIA from Cities and Memory ( track/square D1 ); Sound+Video art collective Tomorrow Today Will Be Yesterday at Guimarães Noc Noc Festival, 3-4 October 2015; Sound+Video art collective Tomorrow Today Will Be Yesterday installation in Centro para os Assuntos da Arte e Arquitetura ? Guimarães, 12 December to 13 February; collaborations on several sounds archives.

: Lille (FR)
FAST RADIO BURST : 17:00 Sat 27 Feb
Des mini antennes radio FM de faible portée situées en différents points d’un espace diffusent sur une même fréquence radio les sons fabriqués en direct par Lionel Palun, Patrick Guionnet et Quentin Conrate, chacun sur un émetteur différent.
Un dispositif visuel adapté à chaque espace donne à voir le son et les mouvements des spectateurs. Chaque antenne diffuse un des musiciens dans le but de créer des zones précises empêchant de capter la totalité du concert dans l’ensemble de l’espace. Les spectateurs ont à leur disposition, pour rendre audible le concert, des postes radio de faible intensité sonore. Le mixage sonore et visuel dépend entièrement des mouvements du public.
Ce que nous proposons de voir et d’entendre est une adaptation de la pièce pour une diffusion sur le réseau
1/ à Lille la proposition scénique complète, avec diffusion d’ondes visuelle et sonores grâce aux télévisons cathodique et poste de radio
2/ à Nantes le parcours sonore (et potentiellement visuel) d’un ou deux postes dans le réseau électromagnétique diffusé en streaming et en quadriphonie.
3/ les partenaires potentiels pour ce projet sont l’association Muzzix et Radio Campus pour la technique et la diffusion.

“Un cri qui est produit par un musicien, juste là, à côté de vous, mais que vous n’entendez pas ou seulement grâce au poste de radio que vous tenez à la main, doit être un cri étouffé, intérieur. Il prend tout le corps de celui qui le produit, le fatigue. C?est un cri retenu qui n’en rend pas moins l’intensité d’un tumulte intérieur!
Un cri qui sort d’un poste de radio, c’est un cri qui entre dans votre cuisine, votre voiture ou près de votre lit. Un cri intime et quotidien…”
Patrick Guionnet utiliser plusieurs émetteur radio comme source d’émission, c’est créer un réseau d’émission d’ondes électromagnétique qui se parasitent.
Les auditeurs/porteurs de postes, comme autant de neurones, provoquent par leurs déplacements de profonds changements sonores, radicaux, qui influenceront les musiciens déclenchant ainsi des variations sonores qui favoriseront les déplacements des auditeurs qui entraineront de nouvelles impulsions musicales encourageant de nouveau déplacement des auditeurs et ainsi de suite…
L’association des musiciens et des auditeurs se comporte comme un réseau neuronal où le résultat sonore n’est pas le fruit d’une volonté particulière mais la synthèse des actions de chacun.
Poser un cri dans ce réseau, dans ce larsen sensoriel, mais pas n’importe quel cri, un cri intime, quotidien, apparaissant, disparaissant, réapparaissant, évoluant sans cesse, malgré lui, dans ce milieu évolutif c’est le rendre plastique, fluctuant, itératif mais latent, sorte de cri neuronal ou cri de fond, calme et violent, crépitant au fin fond du système.

Lionel Palun a un parcours universitaire de physicien : ingénieur de l’ENSPG (Physique) et docteur de l’UJF (nanoélectronique). Il a travaillé 2 ans comme enseignant chercheur à Grenoble au LPCS (électronique). Après une rencontre avec la danse contemporaine et en particulier le travail de la Cie Pascoli, il bifurque vers une recherche singulière autour du rapport entre l’image et la scène, visant à faire de ce média un acteur à part entière du spectacle, au même titre que la danses, le texte, le son ou la lumière. Lionel Palun est co-fondateur de l’association 720 Digital, membre de la collégiale du 102, membre du comité de rédaction du magazine trimestriel Revue & Corrigée et a été membre pendant 5 ans du conseil d’administration de CitéDanse. Professionnel dans le spectacle vivant depuis 2001, il travaille l’image numérique sous ses aspects les plus divers.

Quentin Conrate
C’est au croisement du son, du geste et de l’espace que se situe la démarche de Quentin Conrate. Son long apprentissage de la batterie lui permet d’axer sa recherche sur la musicalité. Les pratiques chorégraphiques et d’interprétation croisées à son apprentissage de la scénographie et des arts plastiques le mènent à penser l’espace et le visuel de son travail sonore. Il est régulièrement invité à se produire dans des églises, galeries, musées ou salles de concerts. Il a été compositeur en résidence lors d’une année passée aux États-Unis. Son travail plastique a été présenté de nombreuses fois à la galerie de l’université Lille III ainsi qu’à la foire d’art contemporain Lille Art’Up en 2014. Il a créé une pièce sonore en résidence à Chamarande pour l’installation des Saprophytes. « Exposition Vivre(s) », domaine de Chamarande, mai à octobre 2014 (exposition collective avec Michel Blazy, Rirkrit Tiravanija, Barthélémy Toguo…). Il sera en 2016 interprète de deux pièces de Frédéric Tentelier. (P)rendre la parole, création sur la Scène/Louvre-Lens, et Spelunca, pièce en solo, la Condition Publique.

Patrick Guionnet propose un parcours singulier dans le monde du spectacle vivant. Pur autodidacte, il est à la fois clown (pour le cirque Joseph Bouglione (1999-2000), depuis 1999 à l’hôpital avec l’association ” Les Clowns de l’Espoir ”, en déambulations improvisées de rue avec les compagnies ” Les Pas Sages de Clowns ” et ” Articho ”, en avril 2009 il part aux Philippines avec ” Les Clowns Sans Frontières ”), chanteur, ou plutôt ” joueur de voix ”, dans le collectif Muzzix et différentes formations
Lilloises (” Mafalpa ”, ” La Pieuvre ”, ” One DPI ” ou ” Les Princes De l’Univers ”) et danseur, ou plutôt ” joueur de corps ” pour les compagnies ” Intro Visu ” (Jean-Luc Caramelle), ” la Spirale de Caroline ” (Olivia Granville) et ” Hop Là Nous Vivons ” (Corine Petitpierre et Yvan Clédat)…
Sans véritable technique mais possédant une véritable énergie, Patrick Gionnet se considère avant tout comme un improvisateur performeur cherchant toujours à développer et mettre en avant l’intimité qui peut exister entre des improvisateurs et autant que faire se peut, toucher celle du public.

Hildegarde von Stick : Paris (FR)
Les méandres du cri intérieur : 18:00 Sat 27 Feb
Les Hildegarde von Stick sont un générateur de connexions neuronales. La musique issue de ce duo se comporte comme des extérocepteurs. A l’instar des synapses, des réseaux de fibres sonores se superposent en strates complexes. Générateur de processus affectifs infinis, la musique expérimentale des Hildegarde se comporte comme le neurone empathique : le cri est intérieur, celui-là même qui engendre le neurone suivant. Ainsi se construisent les micro-organismes vivants, matière organique de cette musique.

Musique Vegan. Aucun animal n’a été maltraité durant les enregistrements., pour écouter sur soundcloud pour des photos et infos vidéos et son, pour notre site.

Laurence Bouckaert :
Dans la pratique musicale de Laurence Bouckaert tout oscille entre deux pôles. Electroacoustique et nouvelles lutheries. Composition et improvisation, produites seule ou en collectif. Ouverture aux arts plastiques et aux spectacles vivants, en solo ou à plusieurs. Ainsi s’équilibre les expériences de LB, par deux. Initialement nourrie de la musique de sons fixés, elle a réalisé plusieurs pièces de musique acousmatique en stéréo ou multi-pistes. Au gré des rencontres, elle s’est enrichie d’autres liens musicaux en collaboration avec la danse, le multimédia, la sculpture, la poésie, la voix, le théâtre ou encore la vidéo. Ceci l’a conduite à se produire tant avec les institutions et les compagnies qu?avec les milieux alternatifs (INA-GRM, CDMC, Ecole Normale de Musique, le Palais de Tokyo, la Cité de la Musique à Paris, La Grande Fabrique, Les Voûtes, La Guillotine …). Ses musiques ont été entendu dans le cadre de festivals internationaux : Mexique, Allemagne, Angleterre, Portugal, France. En 1997, elle co-fonde le collectif des Phonogénistes (Francis Larvor, Pierre Couprie et LB) qui l’ouvre sur le champ des musiques improvisées et du jeu sonore en temps réel. Ils sont particulièrement tournés vers l’interdisciplinarité. Elle participe ensuite à la création du collectif ONE (PUCE MUSE), où elle tisse des liens musicaux toujours féconds dans l’improvisation. D’autres duos, par deux, viennent s’ajouter. aLLea avec la contrebassiste Laurence Jordan et Les Hildegarde von Stick avec Véronique Wilmart. L.B. articule son métier de compositeur et sa pratique de l?improvisation avec l’éducation et la transmission. (Université, Philharmonie de Paris, professeur de musique électroacoustique au conservatoire de Chelles). L’un vient nourrir l’autre dans une circulation fluide et continue.

Véronique Wilmart :
L’atmosphère très particulière induite par les profondes mutations que Véronique Wilmart fait vivre aux sons évoque des structures dont on ne saurait dire si elle touche l’infiniment grand ou l’infiniment petit. Les sons, au delà des instruments organiques sont familiers, absolument transfigurés. Tintement de verres, kalimba, tout est transformé en rythmique instable et secrète qui vient métamorphoser en profondeur le jeu des autres musiciens qui s’emparent de cette architecture sonore. Véronique Wilmart ne fait pas que discuter avec ses comparses, elle les pousse à refonder leur espace, leur clarté, leurs alliances traditionnelles, qu’elles soient rythmiques et mélodiques. Franpi Véronique Wilmart est pianiste, organiste,compositrice et improvisatrice. Elle a étudié au CNSM de Paris de 1975 à 1985. Elle y a obtenu les prix d?Harmonie, Contrepoint, Fugue, Orchestration et Composition Electroacoustique et Recherche Musicale. Elle a composé de nombreuses oeuvres pour le GRCOP (groupe de recherche chorégraphique de l?Opéra de Paris), l’ONJ (orchestre national de jazz) et Philippe Decouflé, Andrew Degroat, Blanca Li, Raphaëlle Delaunay, Marie-Agnès Gillot, David Drouard, Elle a créé au festival Présences à Radio-France deux pièces mixtes,”Shopping interruption” et “miroirs” En 2008-2009, elle tient la chronique « Les impressions électroacoustiques» dans l’émission « Le Cabaret de France Musique ». Véronique Wilmart aborde aussi la musique électroacoustique par l’improvisation. Elle a joué dans diverses formations avec Jean-François Zygel, Médéric Collignon, Andy Emler, Jean-Luc Fillon, Louis Sclavis, Jean-Paul Céléa, François Moutin, Louis Moutin, Michel Portal, Carlo Rizzo, Philippe Garcia, Jean-Charles Richard… et se produit régulièrement avec Antoine Hervé et leur groupe «Pierre et Marie Tuerie ».Elle a fondé avec Laurence Bouckaert le duo d?improvisation “Hildegarde von Stick” Wilmart capte des matières sonores qu’elle sculpte et transforme jusqu’à les rendre méconnaissables. Elle nous fait alors découvrir des profils inouïs issus de micro- montages, et des atmosphères insaisissables qui naissent de boucles asymétriques composées et décomposées en direct.

A. P. Vague : Wichita, Kansas, USA
19:00 Sat 27 Feb
My piece will use the PureData programming environment to create audio inspired by the practice of musical improvisation. The software will use pseudo-artificial intelligence strategies to generate tones with changing harmonies, dynamics, and timbres based on Western musical logic. Drawing from drone music and minimalism as well as classical composition, this piece will develop in real-time as the software is running. This will be an attempt to create a model for perception in PureData as the program will continuously monitor its own output in order to analyze aspects such as volume, density, and consonance while altering the composition based on this analysis.

This idea was activated by the relatively poor ability of software to make musical decisions based on aural input. As human musicians are adept at continuously altering their performance in relation to the overall sound, such feedback is largely absent in computer music and algorithmic composition. My piece will be a strategy for generating responses to the idea of telling a computer to “shout.”

A. P. Vague studied photography at Wichita State University, where he developed a body of work that focussed on nonobjective imaging and experimental processes. By conceptualizing the darkroom as a set of tools in itself, this work sought to highlight the specific communicative properties of photographic media. Vague also worked closely with Tallgrass Film Festival and the Ulrich Museum of Art in Wichita. While obtaining an MFA at Rutgers University, Vague incorporated more use of audio, performance, and programming into his processes. This work is concerned with translation and explores the connections between human speech, digital audio, and abstract visuals. While living in Philadelphia and working with Aux Performance Space, Vague participated in exhibitions and performances with Philadelphia Sound Forum, Eris Temple Arts, and Bridgette Meyer Gallery, among others. Currently teaching courses in digital media and technology at Wichita State University, Vague?s work is now concerned with the mechanics of real-time communication in an effort to connect with various parts of the world. Vague has participated in various long-distance collaborations and telepresent performances occurring between Kansas and New York, Philadelphia, Brazil, England, and Romania.

Dr. NoiseM : 20:00 Sat 27 Feb

Robert B. Lisek : Poznan/Poland
In BB-Psycho-Modulator project I am using a brain-machine interface (BMI), which reads the activity of cerebral cortex that is subsequently used as a source of number sequences. These numbers are translated into values that power the stochastic processes and are synthesized into complex sound structures. Reading of waves and stochastic sound modulation take place in real time. The final project uses two human brains. Signals from one brain are sent to the other and back on the basis of brain to brain interface (helmet). Impulses are delivered in the form of very low frequency waves. Initial tests have shown the ability of establishing a sophisticated communicational connection between two brains and complex interferential patterns. The connection between brains may deliver solutions, which can’t be achieved by the brains working independently – new central nervous system consisting of two brains. The project examines systems of stimulation, perception, game and exchange between numerous brains.

Robert B. LISEK is an artist, mathematician and actioner who focuses on systems and processes (computational, biological, social). He is involved in the number of projects focused on critical art strategies, creative coding and interactive art. Drawing upon post-conceptual art, software art and meta-media, his work intentionally defies categorization. Lisek is a pioneer of art based on machine learning and artificial inteligence. Lisek is also a composer of contemporary music, author of many projects and scores on the intersection of spectral, stochastic, concret music, musica futurista and noise.

Stefano D’Alessio : Vienna / Austria
State of Awareness : 22:00 Sat 27 Feb
State of Awareness is a generative music piece, created by a digital system that chaotically transforms its characteristics, following hints and peaks generated from its own sound, circularly interacting with itself.
This self generated sounds are used as main layer and as structural basis in the final piece.
Other layers and sound processing are juxtaposed as support, following the lead of the main track.
The piece has been entirely created in ten days (03-12 October 2014).
Integra Live used as generative music environment.
Composed in Logic.

The piece is an audio recording generated by a generative digital system. This system creates and manipulates sounds in an automatic manner, mutating strategies, taking decisions, reacting to the sounds produced by its own self. It is a digital entity, which has certain set of behaviours but acts unpredictably as it constantly interacts with itself, listening to its own production and “inperfectly” replying to it, changing (or not) its actions. This attitude is comparable to the neuronal one, a complex set of rules and probabilities, actions and reactions, inputs, processes, decisions and outputs. One system with a definable behaviour/function/attitude that interacts within itself and produce lively and unpredictable results.

Stefano D’Alessio (1987 Italy) Media artist, programmer and composer, lives and works in Vienna (Austria). He creates interactive performances and installations, combining visuals, sound, physical computing and performance thru programming. Their research addresses the digitalization of the human in new technologies, virtual representations of the “real” and the distortions and perceptive amplifications caused by them. His work involves the human body as incipit for analyzing coding and decoding processes of the real/physic, in to digital/abstract, enquiring the ephemeral limits between machine and body, artificial intelligence and consciousness.

Randall Packer : Washington, DC (USA)
The Post Reality Show : 23:00 Sat 27 Feb
The Post Reality Show is broadcast live from my underground studio bunker in Washington, DC. The project concerns our media diet that consists of a smorgasbord of undifferentiated news, entertainment, and the latest viral media in shockingly fragmented doses. With the rapid-fire ingestion of media, overtaking our experience of the physical world, we are clearly losing the distinction between that which is real and that which is not, between the real and the imaginary, hence: the post reality.

The Post Reality Show is staged for live performance via a real-time audio-visual system configured for Internet broadcasting. As the host of The Post Reality Show, I situate myself in the spectacle of media and the elements of seduction through a total embrace of its intoxication and disorientation of the senses. I perform in an elaborately staged studio environment consisting of a battery of cameras aimed from multiple angles, along with microphones, networked computers, MIDI controllers, video signal routers, wireless iPad control, stage lighting, and synchronized audio-visual interfaces that enable the performance of live audio-visual manipulation, spoken word, and live mixing.

For the AudioBlast Festival, I will present a live broadcast from my studio, performing a real-time collage of spoken word, digital musics, hacked Internet media, deconstructed live cable news, etc: a total immersion in the sheer density of the media flow.

The Post Reality Show is a critique of the speed and density of our daily media diet, the need to stimulate the senses through media saturation, neurons pumping. It is in the space of this media torrent that I perform spoken commentary, improvised texts, and processed noise-utterances accompanied by a live, broadcasted musical performance.

For the past five years, I have developed The Post Reality Show as as an ongoing investigation of media addiction by musically and visually invoking the speed and velocity and rhythm of the data that crosses our screens each and every day. The rapid-fire sampled sounds and digital effects are intended to activate our never endings and our pleasure-synapses in the ultimate quest for the turned-on lifestyle. This blast to the nervous system is nothing less than the very essence of the everyday media life we live in the blazing fast lane of the high-tech post-reality.

The Post Reality Show


Reportage from the Aesthetic Edge (blog)

Since the 1980s, multimedia artist, composer, writer and educator Randall Packer has worked at the intersection of interactive media, live performance, sound and networked art. He has received critical acclaim for his socially and politically infused critique of an increasingly technological society, and has performed and exhibited at museums, theaters, and festivals internationally, including: NTT InterCommunication Center (Tokyo), ZKM Center for Art & Media (Karlsruhe), Walker Art Center, (Minneapolis), Corcoran Gallery of Art (Washington, DC), The Kitchen (New York City), ZERO1 Biennial (San Jose), Transmediale Festival of Media (Berlin), and Theater Artaud (San Francisco). Packer is also a writer and scholar in new media, most notably the co-editor of Multimedia: From Wagner to Virtual Reality and the author of his long running blog: Reportage from the Aesthetic Edge. He has also written extensively on art, technology, society and culture for publications including: MIT Press, Johns Hopkins University Press, the Leonardo Journal for the Arts & Sciences, LINK, ART LIES, Hyperallergic, and Cambridge University Press. He holds an MFA and PhD in music composition and has taught multimedia at the University of California, Berkeley, Maryland Institute College of Art, American University, California Institute of the Arts, Johns Hopkins University, and the Museum of Modern Art. He is currently a Visiting Associate Professor at the School of Art, Design & Media at Nanyang Technological University (NTU) in Singapore, where he teaches networked art practice. Most recently, he was the organizer and co-chair of the Art of the Networked Practice | Online Symposium at NTU, a global event which featured participants from more than 40 countries around the world.

Hopkins/neoscenes : Prescott, Arizona (USA)
The Dipole Moment : 10:00 Sun 28 Feb
A one-hour live stream (or possibly two simultaneous stereo streams) of material drawn from a sizable analog/digital archive: the multi-tracked material will be selected based on a criteria of neural resonance — during a lead-up to the performance, and during the improv performance itself. There will be various electric field disturbances, recorded in a variety of ways, along with the neural traces of memory, re-constituted from ancient electromagnetic 4-track and cassette tapes.

The controlled behavior of a magnetic dipole is the primary model for all material used to store information via electromagnetics — both tape and hard-drives — to relinquish control of the dipole moment is to spin into chaos and noise.

Dr. Hopkins is a media artist and learning facilitator. He holds a creative practices PhD in media studies; an MFA from CU-Boulder (where he studied film under renown experimental film-maker, Stan Brakhage); and a BSc in geophysical engineering. His trans-disciplinary research and workshops explore issues surrounding sustainable creative systems, distributed and community-based DIY processes, and developing empowered approaches to technology. His international creative practice explores the role of energy in techno-social-bio systems and the effects of technology on energized human encounter through performance, image and sound work, and writing. He has taught across more than twenty countries. He is currently practicing from a base in high deserts of central Arizona while helping re-write the Ecosa Institute regenerative design curriculum. The traces of his praxis may be found at

Roger Mills : Sydney, Australia
Sonic Autopoiesis : An indeterminate soundscape for webcams and browsers : 11:00 Sun 28 Feb
Our embodied interaction with the world shapes our responses and interventions with each other, and the environment; each responsive action firing off billions of neural pulses to achieve its end. Sound is at the centre of this second order cybernetic vista, sonifying self-generating actions and events, coloured by distributed acoustic environments. This performance will amplify this sonic autopoiesis by mixing and manipulating live sound streams from webcams from around the world. Each webcam producing an indeterminate soundscape of sonified actions and events that will be layered and processed in real-time, creating a dynamic and richly textured audio performance, which will be streamed to Audioblast Festival via a Nicecast link.

The work seeks to shine a light on the multiplexity of distributed life events and their sonified actions as a metaphor for the millions of neural impulses that responsively produce them.

This sound project takes the theme of the “Neurons Shout” as a way of conceptualizing our embodied interaction with the world through the billions of neural impulses involved in producing our actions and responses to our environments. “Neurons Shout” exemplifies the notion that our acoustic environments are spaces of interactive neural messaging that are sonified in the material actions they create.

Experimental mix of the work is available at

Roger Mills is a musician, sound artist and writer whose practice and research focuses on improvisation, networked music, sound installation and experimental radio. He is the founder of the networked music ensemble Ethernet Orchestra, which explores interdisciplinary audio-visual tele-improvisatory performance. Roger’s principal research interest is examining the role of embodiment in processes of signification and meaning making in digital and networked environments. Recent publications include The Metaphorical Basis of Perception in Network Music Performance. Cyposium: The Book, Brescia, Italy, Link Editions and forthcoming “Flight Of the Sea Swallow: Increasing Tele-immersion in Cross-Reality Networked Music Performance”, Transactions, Leonardo, MIT Press 2016. The debut album Diaspora by Ethernet Orchestra is released through Pueblo Nuevo.

Urska Aplinc & Florine Mougel : Slovénie / France
Outer Spqce : 11:30 Sun 28 Feb
Deux performers combinent 6 téléphones et par là même 6 conversations téléphoniques en direct.
Ces permutaions entraînent des problèmes sur le réseau. Les personnes aux bout du fil n’envoient plus que des messages pour tenter d’établir la communication alors que l’écho de leurs voix se perd dans le flux des signaux de télécommunication.

Ces planètes se tournent autour et s’entrechoquent. Se ne sont que des bribes de voix que l’ont captent et qui, lorsqu’elles disparaissent ou s’affaiblissent, nous donnent l’impression d’être tomber dans un vide intergalactique.

Ce projet traite de l’erreur et de la perte au sein des réseaux. Si une liaison vient à manquer, le neurone est isolé. Qui peut alors savoir s’il est encore vivant ? Le signal de vie à disparu.

En interferant avec la tentative de contact des intervenants au téléphone, on entend montrer la plasticité des flux dans une grande disruption poétique.

Urska a étudié le chant avant d’entreprendre des études d’art en Slovénie et Florine a étudié le cinéma avant
d’entrer à l’école d’art de Marseille. Elles se rencontrent durant leur année d’échange à Linz, en Autriche.

Cambia : 12:00 Sun 28 Feb

khaled Kaddal : London (UK)
Trapped Sounds : 13:00 Sun 28 Feb
“Trapped Sounds” is a conceptual sound performance, by Khaled Kaddal, that aims to examine the relationship (conflict) between the individual and the collective intelligence, manifested in the mass-produced noises observed in our surroundings.

The culminating social behavior regarding modern society as we know and participate in it, has inevitably led to an impact on human individuality. The intrinsic alienation of the modern individual from his inner self has not only developed into social isolation but into other forms as well.

We spend the majority of our time so immersed in our materialistic existence, taking in unwanted outwardly distractions and distortions (noises) that cut us from the truth of being, and proposing necessary existential questions.
Thus, this project attempts to contrast these dichotomies (internal versus external, the individual versus the society etc…) that ultimately represent the dissonance of our existence in relation to sounds emitted by the human body.

Trapped Sounds is focusing on the individual “SHOUT” toward the collective masses, as a responsive act of the self-anxiety. By using the live body sounds of the performer (heart beats, and breathing..etc) manifested into electronic mediums, with a focus on the Social Networks and CyberMasses.

Trapped Sound:!trappedsounds/x32dy

Khaled Kaddal is an Egyptian Musician|Sound Artist. Engaging the boundary between Sounds and Concepts, his music/sonic practices are marked by an attention to the Urban, from a social and political aspect, through the exploration of the varieties of Sonic phenomena.

Currently, based in London pursuing a Masters degree in Creative Research into Sound Arts Practice (University of the Arts London) focusing on the theme of the sonic identity of a social systems and political authority.

Justin Randolph Thompson and Andre Halyard : Florence (IT)
Neuromelanin Ring Shout : 13:00 Sun 28 Feb
Neuromelanin Ring Shout is a sound performance by Justin Randolph Thompson in collaboration with Andre Halyard that addresses the neuroprotective associations in melanin in dialogue with the tradition of the ring shout as an African tradition preserved by African Americans as a form of spiritual protection and expression. The performance employs a drum machine, a lap steel guitar, hybrid percussive instruments, two turntables and two microphones for a sound work that engages a mix of folk traditional ring shouts mixed with abrasive textures drawn from the realm of hip hop and heavy metal. The performance is a dialogue between electronic and live instruments and examines the audio therapy techniques associated with combatting neurodegeneration post trauma common in witnesses to gun battle. The techniques revolve around the creation of audio drones meant to soothe constant inner sounds that lead to anxiety and depression.

Notions of inner city violence and the need for spiritual healing are the backdrop for this sound journey, which engages theories around sonic torture common in the detainment of war prisoners and the circular movement and stomping of the ring shout. The two artists engage in a vocal exchange as they navigate sculptural hexagonal and pentagonal forms that are the structural description of Neuromelanin in a quest for compositional balance and discord. The sound is emitted in part from sculptural snare drum rigged woofers and mobile speaker sets as well as from the PA system and the artists perform backed by an abstract video loop consisting of a 16mm shot of a man running desperately through a barren landscape filmed projected against a brick wall which enhances the cultural inability of escape.

This project has been developed based on the theme and the artists understanding of neuroprotection linked with the need for spiritual protection within the context of the African Diasporic communities. The project is developed based on sonic therapeutic healing and the spiritual healing of traditional Ring Shouts performed originally in isolated slave populations of the Southern United States and the West Indies. Furthermore the performance hybridizes distinctions between electronic and digital as well as those between analogue and acoustic sound forms.

Justin Randolph Thompson is a sculptor and new media artist born in Peekskill, NY in ’79. Living between Italy and the US since 2001, he has exhibited internationally and participated in numerous residencies in the US and in Europe. His work explores the historic implications of triumph, victory and ascension by re-contextualizing references from Roman antiquity and mending these with aspects of African-American culture both past and present. Exploring cultural displacement or imposed hierarchies and adorning status symbols with hybrid connotations through a talismanic application of culturally specific materials his work encompasses sculptural installation, performance, video and sound. Reflecting upon the socially constructed communal legacy, he examines expectations and shortcomings through the absence of a concrete linear foundation.

Carbon Sink (Gaël Angelis, Magali Sanheira) : France
So clear was the omen of the birds : 14:00 Sun 28 Feb
L’instrumentation se compose pour
Gaël: bobine Tesla, tubes néon, micros et électroniques.
Magali : Appeaux, bol, micros et électroniques

Le dispositif est constitué
d’un côté ce qui attrait à l’électricité, à ses découvertes en jouant avec le champs magnétique généré entre la bobine Tesla et des néons où, le corps du musicien faisant masse, le simple fait de se déplacer module la fréquence du son.
de l’autre côté, dans un écho infini, surgissent des cris d?oiseaux produits par des appeaux qui se substituent ici à la nature.

Le puits de carbone est une jonction virtuelle entre deux niveaux. Cette image de la nature est également évocatrice dans un paysage digital.
C’est en utilisant le réseau comme lieu de diffusion, que nous aimerions jouer « So clear was the omen of the birds » :
Tourbillon magnétique et hypnotique d’où surgit les cris d’oiseaux d’une nature toute factice mais qui par son amplification et son système de diffusion prend corps, devient vivante.

La frontière est mince entre ce qui distingue le cri et le chant de l’oiseau, on considère alors ce dernier comme plus persistant dans la durée et développant des modulations plus complexes.
Le cri quant à lui fonctionne telle une alarme, exprimant un appel, une menace, la peur, ou un signal d’avertissement.
En ne gardant que les signaux de détresse, l’enregistrement de cris d’alarme peut être utilisé comme « effaroucheur », afin d’éloigner certaines espèces du danger.
Ici, un rossignol, une mésange bleue, et une hulotte babillent, chantent, gazouillent, jabotent, piaillent, piaulent, à travers des champs magnétiques, et dans l’écho des feedbacks telles des créatures électroniques de l’Anthropocène qui, dans un éternel retour, se transmettent jour après jour le secret de l’origine du monde.

CARBON SINK est un duo électro-acoustique.
Il marque notre intérêt commun pour des systèmes d’amplification et des systèmes électromécaniques “auto-génératifs”, permettant d’activer des objets et matériaux par frottements, percussions ou vibrations.
L’Instrumentation est protéïforme. Chaque dispositif combine divers objets : poutre IPN, percussions et systèmes de feedback, scanner, charbon et field recordings, ou encore synthétiseur et divers petits moteurs et objets?
Ces associations de formes et d’objets permettent d?improviser autour d’une idée, d’une histoire. Notre intention, construire un environnement musical immersif, “noise” et organique, aux couleurs concrètes et minimales, récits imaginaires sur une nature en péril.

Née en 1973. Vis et travaille à Paris.
1999 DNSEP, Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy, France.
Artiste et musicien, batteur/percussionniste de formation.
Au départ, mes pratiques plastiques et musicales sont distinctes, je cherche des liens entre elles avec la potentialité du son à introduire du mouvement et de la temporalité dans l??uvre sculpturale. Ma réflexion sur l’instrumentalité de l’objet m’amène à concevoir la sculpture comme réalisation instrumentale.
Je réalise alors mes premiers dispositifs de «sculpture/instrument» où sont mis en vibrations divers instruments, objets et matériaux par phénomène de feedback.
Conjointement, je réalise des actions urbaines, captations environnementales, et bandes originales de films.
Collaborations musicales. : Ewen Chardronnet, Z’EV, Frederic Galliay, Joachim Montessuis, Arnaud Rivière, Julien Sirjacq, Alan Boans, Otto Von Schirach, Loris Greaud.

Née en 1977. Vis et travaille à Paris.
2003 DNSEP, Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy, France.
Ma pratique s’inscrit dans un champ multi-disciplinaire.
Audiophile, j’intègre le son dans ma pratique comme un matériau sculptural à part entière, me permettant de travailler sur une dimension supplémentaire : l’espace acoustique.
Je développe une recherche autour de formes, de volumes géométriques et de gestes simples, voire élémentaires afin de mieux disséquer et analyser des processus de fonctionnement qui nous entourent.
Ainsi, je renverse, démonte, re-combine divers objets et matériaux comme pour expliquer des logiques, celles de certains archétypes mythologiques, les règles d’un jeux, ou cartographier des territoires.
J’explore des techniques artisanales, détourne des technologies industrielles, et transforme des restes pour souvent les laisser bruts.
Ces objets tentent d’interroger les systèmes d’une société fondée sur la violence, l’obsolescence programmée, la chute, le leurre, et notre relation à l’autre dans cette société.

Benoit Bories : Toulouse/Paris (FR)
Etat d’urgence : 15:00 Sun 28 Feb
“Etat d’urgence” est une réflexion sur les modes de communication ulta-rapides basés sur le réseau web et leurs utilisations dans un contexte sécuritaire. Cette rapidité accentue les flux d’informations qui nous sont donnés à assimiler tous les jours. Des faits divers anecdotiques peuvent alors devenir éléments centraux d?information et leur omniprésence dans les canaux de communication donne un sentiment de prise au piège. Il accentue un climat de peur et justifie le contexte d?état d?urgence qui se nourrit de cette surabondance de données.

Le cri est alors une échappatoire qui permet de rompre ce cercle vicieux. Il rompt un équilibre et appelle au silence et au temps de la réflexion nécessaire pour mettre en perspective.

« Etat d’urgence » est une performance électroacoustique live construite à partir de plusieurs matières sonores :
Des extraits d’archives sonores radio et télé depuis l’institution de l’état d’urgence.
Des sonorités de cluster d’ordinateurs en réseau, de ventilation, artefacts numériques.
D’extraits d?entretiens de physiciens théoriciens spécialistes des quarks et des neutrinos évoquant ce que pourraient être pour eux le son de ces très petites particules élémentaires.
Un cri dont le timbre se construit et se nourrit peu à peu grâce aux matières sonores apportées par les sons de clusters.

Un certain nombre de matières sonores et d?extraits de compositions sont tirées d?une création documentaire électroacoustique produite pour France Culture intitulée « L?humain n?est pas une science exacte ».

Quelle est la place à une relation intime entre le chercheur et son outil de travail ? Une façon d’appréhender la recherche scientifique théorique en dehors d’une vision trop technicienne.

Benoit Bories
Mon activité de création sonore est principalement tournée vers le documentaire sonore. Elle s’est transformée peu à peu avec le temps vers des productions plus hybrides alliant des formes empruntant au hörspiel, à l’électroacoustique et au paysage sonore tout en en conservant cette volonté de documenter des questions sociétales. Je travaille pour la radio (Arte Radio, France Culture, RTBF, Mediapart, RFI, Deusthland Radio Kultur, ABC Australian Radio). Depuis maintenant deux ans, j’oriente ma production sonore vers des installations cross-media et le spectacle vivant. Ces expériences m’ont permis de repenser mon travail de dynamique et de rythmique du son en fonction d’un espace scénique et du jeu des acteurs. Cette remise en cause de mon rapport au son m’a amené vers de nouvelles compétences concernant le travail de spatialisation (captations binaurales, multidiffusion, double stéréo AB).

En effet, de par ses caractéristiques physiques propres, le son permet l’élaboration d’espaces acoustiques complexes ouvrant des possibilités vers une réécriture des sons captés du réel. Mêler ces possibilités avec les nouvelles technologies, de dispositifs de prises de sons en binaural offrant une sensation d’écoute en 3D à la diffusion de pièces sonores en acousmonium ou pour des supports type écoute mobile, ouvre de nouveaux champs à explorer pour la création sonore.

Chloé Tallot : Paris (FR)
Samsara : 16:00 Sun 28 Feb
Le samsara terme sanskrit signifiant « ensemble de ce qui circule »; en tibétain signifie « transition » mais aussi « transmigration », « courant des renaissances successives ».
Dans le bouddhisme, il s’agit du cycle des existences conditionnées successives, soumises à la souffrance, à l’attachement et à l’ignorance. Ces états sont conditionnés par le karma.
Ce projet sonore met en scène des atmosphères où une quête de transcendance et ses difficultés se mêlent à des découvertes. Les connexions sont multiples et le hasard semble nous guider dans un espace sans fin.
Le projet “Samsara” est une cosmogonie de sons qui forme une étrange poésie faite d’explosions, d’élans, d’attente et autres mécanismes vitaux mystérieux.
Le choc et la connexion des neurones pourrait en être l’origine ainsi que le bruissement apparement chaotique du web.

projet :
website :
audio :
social media :

Chloé Tallot (1973, Paris) est une artiste française qui s’exprime à travers de multiples médias.
Elle est diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 1999.
Ses démarches nourries de sciences et de philosophie, se déploient dans une collection d’objets visuels et sonores interrogeant le vivant, le rapport aux mots et les hybridations.
Son travail est présenté en France et à l’étranger dans des institutions, festivals et galeries.

TMS (Tina Mariane Krogh Madsen, Malte Steiner) : Berlin (D)
5-HT : 17:00 Sun 28 Feb
For the Audioblast online audio festival TMS will compose a piece based on the structural qualities of the neurotransmitter serotonin. These dynamics will be improvised and performed live in a dynamic noise act that deals with both the balances as well as the imbalances caused by disruption of this unit in the brain. The piece is a translation of a physiological entity into a mixed analogue and digital composition, transmitted via the digital system of the live-stream and thus inserted into the online neuro-system of the Internet.

The audio performance is created specifically for the call of the audioblast festival and as described in the concept, it is based on the structure of the neorotransmitter serotonin and thus a translation of a physiological entity into a improvised composition, transmitted via the digital system of the live-stream and inserted into the online neuro-system of the Internet.

TMS on Soundcloud:

TMS is an experimental noise-performance project by Malte Steiner and Tina Mariane Krogh Madsen.
The format of the TMS project is improvisational performances built out of Steiner and Madsen’s sonic interactions, where noise-scapes and complex structures emerges from intense layering of various sonic in- and outputs. The physical interaction with materials has an additional focus in TMS’ performances, and thus to create a more performative and visual sound experience. The choice of elements for each performance is important, where each plays an important role. The inputs are analogue as well as digital; modulated, transformed and distorted.

Tina Mariane Krogh Madsen is a Danish, Berlin-based artist and researcher, who works in the intersection between performance art and media. Madsen’s artistic work deals with theory as well as practice and how these are intertwined as inseparable entities. The main focus points of her work and research are: performative practices, networked performance, site specificity, system aesthetics, notation, open technology, sound and embodiment.

Malte Steiner is a German, Berlin-based media artist, electronic musician and composer. Steiner started creating electronic music and visual art around 1983, developing his own vision of the interdisciplinary Gesamtkunstwerk. Steiner’s musical projects are primarily the experimental electro-acoustic Elektronengehirn, the industrial outfit Notstandskomitee, Akustikkoppler (with Matthias Schuster), Das Kombinat, Embedded Artist (with Wolfgang Spahn) and TMS (with Tina MK Madsen).

Simon Coates : United Arab Emirates
For All the Sea the Land Remains : 19:00 Sun 28 Feb
A long-form sound art piece originally commissioned for Resonance FM’s Free Lab radio progamme, ‘For All the Sea the Land Remains’ features features field recordings from Dubai, Fujairah, Istanbul, Bangkok and Vientiane in Laos. In addition to the field recordings, Coates plays harmonica, keyboards and guitar alongside digitally-manufactured acousmatic sounds. The work samples the songs ‘Shagufa’ by Geeta Dutt (1953), ‘Hum Aur Tum Aur Ye Khushi’ by Surendra (from the 1940 film ‘Alibaba’) and ‘Aahen Na Bharin Shikve Na Kiye’ by Zeenat (1945). There are also samples from Parviz Kimiavi’s 1970 film ‘Oh, Protector of the Gazelle’. Additonal vocal contributions from English performance artist Caroline Smith, Emirati artist Sara Al Haddad and Denise Coates.

‘For All the Sea the Land Remains’ is a native piece created to function first and foremost as a radio programme that takes the listener on a journey that navigates both electrical and digital principles. Subverting the radio format in terms of length and composition, the piece draws on traditional electrical radiophonic tropes as well as exploiting digital technology for creation and execution.

Simon Coates is an English artist, writer and curator living and working in Dubai. He is also the founder of Tse Tse Fly Middle East, the regional platform for Middle East-based sound artists and experimental musicians. Tse Tse Fly will open the Other Worlds Festival in the UK in April 2016.